Dame Maggie Smith, como anciana actriz británica que nunca había dejado de adaptarse a los papeles que en cada edad podía representar, siempre hizo trabajar el tiempo a su favor. Incluso cuando Steven Spielberg le hizo maquillarse como una abuela Gwendy de 92 años en su infravalorada Hook, cuando andaba por los 56, ya nos hicimos una idea de cómo veríamos a la mordaz condesa viuda de Downtown Abbey o a la estricta profesora McGonagall en Hogwarts.
Ambos trabajos son suficientes para que un actor consiga un éxito arrollador entre el gran público, así que cuando un niño reconoció a la actriz y le preguntó si se podía convertir en gato, le espetó su muy británico «Put yourself together», algo así como «componte, cálmate y piensa bien lo que estás diciendo», todo al vez.
Mucho se habrá recorrido estos días la extensa carrera de esta gran dama que ya contaba con la triple corona de la actuación, pero tal vez cuando su temple se ve medido como madre superiora de la imparable Whoopi Goldberg en Sister Act, se entiende cómo era capaz de abordar con éxito todo el drama de una comedia o toda la comedia en un drama.
Entre las referencias cinéfilas de Aliphant, hubo al menos tres que rozaron la órbita de Hitchcock, por una parte, la del centenario de Saul Bass, creador de los títulos de crédito de muchas de sus películas. El obituario de Doris Day se conmemoró con «El hombre que sabía demasiado», una de esas películas de las que el mismo Hitchcock hizo su propio remake en color y con los medios de Hollywood. Y «Rebecca» sirvió de tributo al gran José Luis Pérez de Arteaga cuya sintonía radiofónica la había tomado de la banda sonora de Franz Waxman.
No obstante, habría material para homenajear a Hitchcock en una serie, si los lectores tuvieran interés, así que es posible ceñirse en esta presentación a la película seleccionada; «North by Northwest» o como se tradujo en España, «Con la Muerte en los Talones», ahí es nada la inventiva.
En este gran título de Sir Alfred, reúne a su dream team, los actores Cary Grant, James Mason, Martin Landau y Eva Marie Saint, que acaba de convertirse en centenaria, los títulos de Saul Bass, la música de Bernard Hermann y el guion de Ernest Lehman. Contó además con Robert F. Boyle como director artístico y diseñador de escenarios y los exteriores son espectaculares, y más aún para una película de Hitchcock que solía rodar más a gusto en la comodidad del estudio, desde la sede de la ONU al monte Rushmore pasando por la típica guarida del villano al estilo Frank Lloyd Wright. Boyle incluso hizo estrellar un viejo aeroplano contra un camión cisterna en un alarde de medios del que seguro que disfrutó el ingeniero frustrado que llevaba dentro.
Todo apuntaba a un gran éxito de Hitchcock tanto de público, como de crítica, pero acabó yéndose de vacío en los Óscar. Era el año 1959 y Ben-Hur de William Wyler y Chartlon Heston arrasó con once premios.
La fórmula de Del Revés o Inside Out todavía da buen resultado a pesar de su absurdo nombre que en castellano poca relación guarda con la temática y, en inglés, mejor encajaría con una película de la serie de Alien. Más acertado estuvo el ingenioso título para el mundo latino, donde conocen a la franquicia como Intensa Mente y obviamente a su última entrega como Intensa Mente 2 (ahí no se desparramó más creatividad).
La gran creación de Pete Docter de 2015 (homenajeada en su respectiva viñeta Aliphant DCLXXII (http://www.aliphant.es/pages/672_jpg.htm)) dejó al público la sensación de habían creado un mundo al que merecía la pena regresar, lo que no siempre ocurre con otras obras maestras ni con las salas de espera de los dentistas.
La premisa original pretendía combinar las reacciones de 25 emociones distintas lo que hubiera sido bastante más difícil de asimilar por el público y, en cierta forma, esa idea se recupera en esta segunda parte donde se justifica que las emociones entran y salen a voluntad de esa sala de mandos que es la conciencia y de esa misión encomiable que es la formación de la personalidad.
Mientras, averiguaremos cómo las emociones se rigen a su vez por sus propias emociones en una sucesión infinita de conciencias…
Por absurdo que nos pueda sonar decir de un elemento que se parece a otro y con eso darle nombre para diferenciarlo, el sueco Scheele en 1778 no dio más de sí. Molibdos es el nombre del plomo en griego antiguo un metal al que se parece al molibdeno salvo en que sus átomos difieren en 40 protones lo que hace del elemento más desconocido la mitad de ligero.
El molibdeno usado en las alineaciones de acero potencia tanto su resistencia que durante un tiempo se difundió el falso mito según el cual los herreros japoneses del siglo XIV ya lo utilizaban en la construcción de katanas. Es más, se contaba que el maestro Masamune, autor de algunos de los tesoros imperiales de la tradición japonesa derramó por error en la forja un remedio de molibdeno que usaba para tratar el asma, dando lugar a su codiciado secreto para la creación de las espadas. Al final, no hay pruebas de nada de esto, ni siquiera del uso del molibdeno como remedio de la medicina tradicional oriental.
Lo que sí es conocido es la importancia del cofactor de molibdeno en el desarrollo de la actividad de las cianobacterias, lo que permitió cambiar la atmósfera de nuestro planeta y dar lugar a las plantas y a los animales. Por primera vez en la historia de nuestro planeta los seres vivos transformaron el mundo en el que vivían, aunque esta vez a su favor y al de las futuras especies.
Más cercana en su significado original la traducción cláśica «El Sueño de una noche de San Juan», «A Midsummer’s Night Dream» es una de las comedias de enredo de Shakespeare ambientadas en una fecha relevante del año, las festividades paganas del solsticio de verano del Hemisferio boreal que el cristianismo asoció a la festividad de San Juan Bautista.
Como una ingeniosa mezcla de tramas que cruza personajes de tres niveles, el feérico, el de la nobleza ateniense y una compañía de actores aficionados que introducen el recurso multidimensional del teatro dentro del teatro.
Asociada desde el siglo XIX a la música incidental de Félix Mendelssohn y a las óperas de Purcell y Britten, no tardó en adaptarse al cine con distinta fortuna, desde la versión de 1935 con unos jovencísimos Olivia de Havilland como Hermia y Mickey Rooney como Puck a la más accidentada y casi olvidada versión de 1999 de Michael Hoffman con un elenco de Hollywood que unía estrellas de la talla de Calista Flockhart, Michelle Pfeiffer, Christian Bale o Kevin Kline. Cabe también mencionar su relevancia en la trama de El Club de los Poetas Muertos o de la serie Gárgolas, donde el universo shakespeariano cobraba una segunda vida bastante animada.
Quiso el hijo de William Herschell, descubridor de Urano y sus dos primeros satélites que las lunas recibieran los nombres de Oberón y Titania por los reyes de las hadas de esta obra. Más adelante se les unió el satélite del liante Puck cuyos cráteres adquieren el nombre de espíritus traviesos del folclore europeo. Con 28 satélites ya detectados, la lista de personajes ya no dio de si para tanto objeto de nomenclatura y la norma se expandió a otras obras de Shakespeare y de otros autores de su época, como Alexander Pope, pero eso ya es desde luego, otra historia.
Comencemos excepcionalmente por el final, que suele proceder del contenido de la viñeta; en castellano, la palabra asombrar, que actualmente se utiliza principalmente con el fascinante sentido de causar admiración, tiene su origen en las sombras que asustaban a quien pillaban desprevenido, y no es habitual encontrar sinónimos en otras lenguas, donde por supuesto se causa admiración o más bien, cierta confusión, pero no con tanto ímpetu como en nuestro idioma. El factor sorpresa permanece en nuestro asombro.
La asombrosa animadora alemana Lotte Reiniger, nacida hace 125 años, creó en 1926 una película de 65 minutos a 24 imágenes por segundo titulada Las aventuras del Príncipe Achmed que puede considerar el primer largometraje animado de la Historia que todavía conservamos. Su técnica, no obstante, no es la de la animación dibujada, como la de Blancanieves de Walt Disney de 1937, conocida como el primer largometraje dibujado. Lotte Reiniger cinematografiaba los movimientos de sus marionetas de papel sobre una superficie iluminada a la que podía añadir efectos de profundidad con una cámara multiplano precursora de la de Ub Iwerks, en una forma de teatro de sombras.
A pesar de las obvias limitaciones técnicas de la época, las siluetas de Lotte mostraban una confección elegante y con unos mecanismos sorprendentes que permitían movimientos suaves y acciones variadas. Trabajó en más de 40 obras y su influencia ha alcanzado a las películas de Harry Potter, donde el relato animado de Las Reliquias de la Muerte es todo un homenaje a la técnica de esta aún poco reconocida pionera de la animación.
Desde el principio de su carrera, incluso en la época muda, Walt Disney siempre tuvo en cuenta que la música, o en su defecto, el ritmo, era un elemento esencial del lenguaje cinematográfico y desde la incorporación de la banda sonora al celuloide siempre contó con un elenco de músicos en su plantilla. En su última etapa creativa, los llamaba The Boys, el dúo de hermanos compositores Robert y Richard Sherman que no sólo ingeniaban algunas de las mejores canciones de la historia del cine, sino que formaban parte del equipo de guionistas que daban forma a sus películas tanto de animación como de imagen real.
Sus peripecias se narran de forma muy detallada en Saving Mr. Banks, el así-se-hizo de Mary Poppins, pero no entraban en la difícil relación, a veces estrictamente profesional que estos creadores mantuvieron durante décadas. Robert, tres años mayor que Richard, era el más serio y reflexivo y su vida cambió para siempre cuando participó en la Segunda Guerra Mundial y descubrió por sí mismo los horrores del campo de Dachau. Volvió de la contienda marcado por una dolorosa cojera y una experiencia vital que le aisló del siempre jovial y explosivo Richard.
Los hermanos trabajaban juntos, sus mejores composiciones surgían de este enfrentamiento continuo, pero mantuvieron sus vidas y las de sus familias separadas, para el pesar de Richard, que tenía otro carácter.
En la viñeta de homenaje ambientada en Chitty Chitty Bang Bang, el musical no de Disney que tiene todos los ingrediente para pasar por uno más de esa época, Aliphant en su pluriempleo de shinigami, reúne una vez más a los hermanos tras el reciente deceso de Richard a los 95 años.
De igual forma que Harry Potter tenía un repuesto en la profecía con Neville Longbottom, un animador norteamericano también llamado Walter y apenas dos años mayor que Disney creó su propio estudio de dibujos animados con la técnica de manguera de goma (rubber hose). Incluso se dio el caso que, una vez que Universal le quitó a Disney el personaje de Oswald, el conejo afortunado, que había creado junto a Ub Iwerks, se lo cedió a Walter Lantz con un nuevo contrato más ventajoso para la productora. Disney reaccionó creando a Mickey Mouse, pero esa es otra historia.
Walter Lantz no ideó a su personaje más emblemático hasta 1940. Al parecer, un pájaro carpintero molestó a Walter y su segunda esposa Grace durante la luna de miel con sus martilleos en la cabaña en la que se hospedaban e incluso abrió unas goteras en el tejado que aguaron la fiesta a la nueva pareja. Lantz quería matar al pájaro, pero Grace le sugirió utilizar el concepto para un nuevo personaje animado. Con la ayuda de Ben Hardaway, el artista todoterreno que había diseñado al Pato Lucas para Warner Bros, configuraron una primera versión más salvaje de Woody Woodpecker, conocido como El Pájaro Loco o Loquillo en el mundo hispanoparlante.
La primera voz se la dio el mítico Mel Blanc, el actor de doblaje estadounidense más importante de todos los tiempos, pero al firmar por Warner en exclusiva, Lantz tuvo que lanzar un casting al que no permitió presentarse a su esposa Grace, ya que no quería que los niños descubrieran que la voz del pájaro la proporcionaba una mujer. Finalmente, Grace se saldría con la suya al enviar una grabación con su prueba que resultó elegida. Grace consiguió el trabajo, pero no aparecía en los títulos de crédito.
Lantz era apreciado como un buen director de animación capaz de atraer talento de otros estudios como el citado Hardaway o al mítico Tex Avery, pero sus niveles de calidad nunca rivalizaron con los de los estudios Disney o Warner y su capacidad de producción nada tenía que ver con la de Hanna-Barbera, así que en 1972, Universal acabó engullendo a Walter Lantz Productions e incorporando a Woody como mascota de sus parques temáticos. Hay que aclarar que, hasta la reciente adquisición de Dreamworks, la división de animación de Universal no contaba con nada más relevante que los personajes de Lantz y se dedicaba a las interminables secuelas para vídeo de En Busca del Valle Encantado.
Aunque lo intentó con una película de Aladino, Lantz no produjo largometrajes y tampoco ganó ningún óscar por sus cortos, pero se llevó el honorífico por toda su carrera en 1979. Lantz solía visitar con Grace los hospitales de veteranos, dibujando para ellos mientras su esposa hablaba con la estridente voz de Woody y la risa ingeniada por Mel Blanc.
Uno de los dragones literarios más estrambóticos y que todavía no habían participado en los especiales de San Jorge de Aliphant es la criatura llamada Jabberwocky en un poema de la secuela de 1871 de «Alicia en el País de las Maravillas» del matemático Lewis Carroll, «Alicia a Través del Espejo» o en su título original completo «Through the Looking-Glass, and what Alice found there».
Carroll sustituye los naipes de la primera novela por piezas de ajedrez y la obra describe una partida de ajedrez hasta su jaque mate, con el peón Alicia convirtiéndose en reina al alcanzar la octava casilla. Sin afectar a la narración, Carroll intercala relatos breves y entre ellos en el titulado Jabberwocky se habla con palabras acuñadas en inglés inventado de una bestia de aspecto dragontino que lleva un chaleco. Al traducir esta sección a otros idiomas, algunos traductores prefirieron mantener los vocablos originales mientras que otros prefirieron seguirle al juego al autor y crear algo similar en sus idiomas. Así, Jaime de Ojeda en la edición de 1973 de Alianza Editorial formó con los conceptos de «hijo de la confusión» de Jabberwocky el nombre Galimatazo, que es el que utilizó la traducción de la película de imagen real de 2016, secuela de la de Tim Burton.
La versión animada de Walt Disney que combina personajes y relatos de los dos libros de Carroll estuvo a punto de incluir al Jabberwocky en el desquiciado viaje al País de las Maravillas, pero el diseño algo aterrador para la joven audiencia y su absoluta irrelevancia para la trama de 1951 hizo que se descartara y prácticamente olvidara hasta la revisión de 2016, que recupera el aspecto del guiverno ilustrado por John Tenniel siguiendo las instrucciones del escritor.
Cuando se vive lo suficiente, no es complicado convertirse en una parodia de lo que uno fue; y tal vez lo mejor sea tomárselo con humor e incluso sacarle partido. Marlon Brando pasó de ser el mejor actor de su generación al mejor pagado, muchos años después. Aún hace daño en la cartera de la Warner los 19 millones de 1975 que cobró por su casi cameo como Jor-El en la mítica «Superman» de Richard Donner y se dice que el bebé Kal-El llevaba escrito en los pañales el guion que su primer progenitor no se había aprendido.
La figura de Brando pasó a ser inconmensurable hasta el punto de ser más fácil saltarlo que rodearlo, pero se había apoderado de él una desgana que impedía que disfrutara de sus actuaciones como antaño y aquel actor que vivía en sus personajes, según dictaba el Método del Actors Studio.
«Un Tranvía llamado Deseo», la adaptación al cine de 1951 de Elia Kazan, la retorcida trama del pérfido sureño Tennesse Williams sirve de escenario para rendir un pequeño homenaje por su centenario al actor americano, pero los lectores más veteranos tal vez recuerden su caricatura como el abejorro Don Behbee, CEO de la empresa BEE competidora de ANT hará unas 900 viñetas. (http://www.aliphant.es/pages/230_jpg.htm).
Recientemente los generadores de noticias – cabe dudar de que se tratara de periodistas humanos- alertaban de la animadversión que la obra Dune del irreverente Frank Herbert ocasionaba en el casi místico J.R.R. Tolkien. El origen de tal afirmación es un comentario a medias en el que Tolkien prefiere no entrar en detalle para no perjudicar a un compañero escritor en activo, pero parece bastante obvio que sus conceptos del orden y la civilización son tan dispares como cabía esperar entre generaciones consecutivas.
El tercero en discordia es Hayao Miyazaki, de quien, tras ganar su segundo óscar en competición, lo más relevante que destacaron estos medios de difusión de titulares es su repulsa por la obra de Tolkien. Las visiones del mundo de Miyazaki y Tolkien están mucho más alineadas que con la de Herbert y convergen en aspectos importantes como la defensa de la naturaleza y de los valores tradicionales en la vida de las personas. Aunque puede ser fruto de interpretaciones poco fundadas del maestro japonés, siempre ha mostrado su repulsa por el maniqueísmo occidental y la necesidad de señalar sin ambages el bando positivo y el negativo de una contienda para ilustrar al ignorante espectador. Miyazaki prefiere contar historias donde no es tan sencillo establecer bandos, como en El Viaje de Chihiro o Ponyo o incluso donde hay tantos partidos que se rompe la dicotomía en una vorágine de intereses, como en Nausicäa o Princesa Mononoke.
Al fallecer Herbert en 1986 es probable que no tuviera acceso a la primera parte de la obra del japonés para cerrar este bucle, pero quedó claro que odiaba la adaptación de Dune de 1984 de David Lynch. La densidad literaria de Dune no se aligera ni con los propulsores del Barón Harkonnen, así que si bien Denis Villeneuve ha progresado espectacularmente en la recreación del Universo ideado por Herbert, la versión del Lynch no es totalmente carente de valor, aunque el propio Lynch reniegue de ella, lo que, por otra parte, da un buen punto final a esta cadena de odio y disgusto.
De entre todas las viñetas que merecían constituir su propia serie, la Aliphant MIL de 2023 fue una de las más solicitadas.
La premisa es la fiesta secreta para viajeros en el tiempo que el físico Stephen Hawking quería anunciar un día después de celebrarla, de manera que podía demostrar de forma empírica la existencia del desplazamiento de individuos desde el futuro.
Y sin embargo, ¿qué ocurriría si realmente el evento hubiera tenido éxito pero los participantes del experimento hubieran impedido que Hawking divulgara el enorme hallazgo?
Antes de contar Pocahontas con pitufos estirados o de hundir el Titanic para probar la flotabilidad de sus puertas, James Cameron revolucionó el género de la ciencia ficción con sus paradojas temporales en la original Terminator de 1984. La secuela Terminator 2: El Día del Juicio Final de 1991, con todo el presupuesto que Cameron era capaz de administrar, llevó el terror de las máquinas a un siguiente nivel, con efectos especiales nunca vistos hasta entonces y una gran epopeya de redención del villano.
Hace 180 años Charles Dickens publicó su novela ilustrada «A Christmas Carol», «Canción de Navidad», una obra de redención y esperanza que caló profundamente en la tradición navideña anglosajona.
160 años después, el primer especial de Navidad de Aliphant recopilado en la galería (http://www.aliphant.es/Gallery/galleryXMas.htm) hizo referencia a la obra de Dickens en un contexto más moderno, como es la fiesta de la empresa.
La viñeta de esta ocasión recuerda cómo la narrativa del siglo XIX supo anteponerse como precursora del lenguaje audiovisual del cine.
En un país del Mediterráneo, un gobernante con un alto concepto de sí mismo comete actos impensables para mantenerse en el poder. Es la trama de Wish, la película del centenario del estudio Disney que lejos de fan service o de una colección de cameos incesante -para eso está el excelente corto «One Upon a Studio»- aprovecha la efeméride para crear una historia de origen que ubique en el mismo universo algunos conceptos de los 61 largometrajes anteriores.
El equipo al cargo es el de Frozen. con Chris Buck al mando, lo que implica cierto tipo de humor más directo y giros argumentales impactantes ,pero también una forma de musical menos tradicional y más al estilo de Lin Manuel Miranda, sin ser éste el autor de las canciones.
A nivel técnico, Wish es un homenaje a los efectos especiales y los estilos de animación que hicieron del estudio un pionero de la técnica, desde la animación de flipbook que dibuja la misma protagonista Asha en un curioso ejemplo de animación dentro de la animación al renderizado con aspecto de acuarela 2D sobre un fastuoso Cinemascope que no se utilizaba desde La Bella Durmiente. Todo un espectáculo para cines donde merecerá la pena quedarse hasta el final de los títulos de crédito, que muestran en orden cronológico los personajes de CASI todos sus largometrajes animados, con alguna nada deshonrosa excepción y una secuencia final esclarecedora, en ese extraño afán de seguir narrando cuando ya están barriendo las palomitas.
Lo que empezó como una idea del gran cómico canadiense Dan Aykroyd basándose en la tradición de su propia familia en el ocultismo se convirtió en todo un éxito de público y en un referente cultural de los ochenta con la ayuda de su director y productor Ivan Reitman y sus compañeros Harold Ramis, Bill Murray y Ernie Hudson. Al elenco se sumaba la siempre imponente Sigourney Weaver y otro gran cómico canadiense, Rick Moranis.
Uno de sus iconos más populares hasta nuestros días fue el logo del fantasma Mooglie en la señal de prohibición, que por motivos estéticos, fue invertida de su posición normal en las carreteras.
Decía humildemente el maestro Hokusai sobre el aprendizaje de la técnica de un artista que a los 80 años habrá conseguido algún progreso. La última película de Hayao Miyazaki a sus 82 años es sin duda otra obra maestra, con su habitual dominio de la animación y unos efectos especiales perfectamente integrados y la música de Hisaishi, pero con una variante en la temática novedosa.
El Chico y la Garza aborda la concepción de Miyazaki del más allá, de un multiverso al que se acceder de formas naturales o sobrenaturales, pero también de la responsabilidad de los demiurgos, de los creadores de mundos como él mismo e incluso de su posible sucesión en un estudio Ghibli que será absorbido por la Nippon TV, aunque obviamente esto último es una interpretación de sus abundantes metáforas.
Una de las pistas más claras de Miyazaki es la entrada a un túnel con el mensaje «Fecemi la Divina Potestate», «el poder divino me creó», el mismo recibimiento con el que Dante se encuentra al adentrarse en el inframundo en La Divina Commedia.
La viñeta 1096 tenía que hacer referencia a las cruzadas en aquel año del señor en el que no sólo comenzó la primera cruzada, la de los príncipes cristianos que conquistaron Tierra Santa, sino en el que también tuvo lugar aquella iniciativa desastrosa que provocó Pedro el Ermitaño, la llamada Cruzada de los Pobres o como se diría en informática, la Cruzada Cero-ésima.
No obstante,de La Última Cruzada es de la que podemos encontrar las referencias más nostálgicas, de la mano de los maestros Lucas y Spielberg.
Anna Mae Bullock, más conocida como Tina Turner la Reina del Rock and Roll, fue para varias generaciones un icono de la energía dentro del escenario, con un vibrato potente y una presencia siempre imponente.
En el cine, esa fuerza se inmortalizó en uno de los personajes femeninos más importantes del cine de acción de los 80, la Auntie Entity o tía Ama en español en Mad Max Más Allá de la Cúpula del Trueno, la poderosa fundadora de un próspero reducto de civilización en plena desolación post-apocalíptica.
La otra gran intervención de Turner en el cine de acción fue nada menos que para crear la canción titular de Goldeneye, probablemente lo más memorable de esta entrega de James Bond y uno de los mejores temas de la serie de películas de 007.
Que era un señor en apariencia anciano, no cabía duda: su relación con Dame Joan Collins les delataba como supervivientes de la gran extinción del Ordovícico-Silúrico y sin embargo su energía radiaba como el sol caribeño del que se convirtió en embajador con sus célebres calipsos jamaicanos.
Cuando el siempre tan genial como enajenado Tim Burton añadió en su comedia macabra Beetlejuice un número delirante de posesión espectral, no pudo elegir una canción más vital y rítmicamente potente que el Day-O Banana Boat Song en la versión de Harry Belafonte. El entonces ya veterano cantante y actor siempre se mostró agradecido por esta nueva oportunidad de darse a conocer a las nuevas generaciones de espectadores.
Belafonte es el primero en fallecer de los cinco Quasi-EGOT; recibió el Óscar humanitario en memoria de Jean Hersholt en lugar de un premio en competición, pero las razones para recibirlo en defensa de los derechos civiles, recuerdan que el intérprete de Calypso abrió las sendas en el mundo de las artes a toda una comunidad.
El enemigo tradicional de todo elefante es, según el naturalista Plinio, el mismo antagonista del mítico San Jorge de Capadocia, el dragón. No es de extrañar, entonces, que cada especial de San Jorge reúna a Aliphant con algún dragón literario.
En el séptimo y último libro de la serie de Harry Potter, JK Rowling recreaba una escena de acción trepidante con un dragón que había permanecido durante tiempo indefinido como feroz guardián y esclavo en el Banco de Gringotts. El lema de Hogwarts, Draco dormiens nunquam titillandus, a un dragón dormido no le hagas cosquillas, cobraba un nuevo significado.
Precisamente, este momento se convirtió en una de las mejores atracciones de parque temático del mundo, «Escape from Gringotts» de Universal Studios Florida, desde 2014, el único parque temático de Harry Potter donde se ha construido.
Una de las limitaciones típicas de las autobiografías es que no suelen incluir cómo terminan, al menos de la mano del mismo autor. The Fabelmans o más bien Las Aventuras del Joven Steven Spielberg explica la historia de origen de uno de los superhéroes de la dirección de cine, con permiso del legendario John Ford.
Para narrar sus primeros pasos se rodea de todo su elenco técnico habitual, desde el invencible John Williams que le ha creado su propio Leitmotiv a Spielberg para cuando aparezca en un escenario o acto público, a su fiel director de fotografía Janusz Kaminski.
Se trata de la obra más personal de Spielberg y le ha supuesto su primera candidatura a mejor guión original, pero como en tantas historias de cineastas sobre cineastas, es su declaración de amor al séptimo arte y la razón por la que las películas han llenado sus vidas y las de tanta gente.
Preparar un especial de San Valentín de Aliphant es como matar al vampiro jefe, hay que ir directo al corazón. Decididamente, queda mejor este chiste que el de la filariosis canina.
Hablando de vampiros jefe, Blancanieves de 1937 es el largometraje de animación primigenio, el que marcó la pauta de lo que era posible y se podría tratar largo y tendido de los descubrimientos e inventos que fueron necesarios para llevar a cabo esta proeza y estrenarla en los cines.
Mientras tanto, ya se cierne una adaptación a live action con actores acondroplásicos o sin ellos y con una diversidad que ya hubieran querido los habitantes de los principados alemanes medievales donde se desarrolla la trama.
Siguiendo con otra famosa propuesta de guión que no sólo hubiera reducido la duración de su película sino la de toda la trilogía, la posibilidad de usar las fuerzas aerotransportadas, léase águilas gigantes en la Tierra Media, para llevar el Anillo a su destrucción en el Monte del Destino, hubiera reducido una enorme caminata de la Comunidad del Senderismo hasta límites insospechados.
Las justificaciones son variadas, desde que un ataque de este tipo no hubiera pasado desapercibido para Sauron o que los poderes oscuros contaban con los nazgûl para protegerse, así que la propuesta aquí no es sino una más.
El año 1054 se ha consolidado como la fecha del Gran Cisma de Occidente y Oriente, pero si bien los eventos que dan forma a la Historia raramente pueden achacarse a acontecimientos y fechas concretas, son precisamente estos fenómenos singulares los que ayudan a materializarla en la narración de los hechos. Tras un milenio de coexistencia, los cristianos de tradición latina y los de cultura griega habían asumido que eran más interesantes las diferencias que les caracterizaban que el sentimiento de unidad bajo una misma fe. Existían factores teológicos de mayor o menor calado, lingüísticos y rituales que marcaban direcciones opuestas y, sobre todo, una fusión entre los poderes religiosos y terrenales que creaban conflictos de intereses entre la jerarquía de Roma y la de Constantinopla.
La mutua excomunión entre el cardenal Humberto de Silva Candida enviado a Constantinopla por el Papa León IX y el patriarca de Constantinopla Miguel I Cerulario señaló simbólicamente el cisma. Técnicamente, la excomunión, o privación de la capacidad de recibir el sacramento provocaba la muerte política de un mandatario, ya que si su poder procedía de origen divino, ningún súbdito tenía obligación de obedecer a un señor excomulgado. Por otra parte, ningún excomulgado podría excomulgar a otro, ya que, oficialmente, la segunda excomunión carecería de valor; en estos casos, como en la viñeta en cuestión, es fundamental saber quién ha actuado primero.
Tuvieron que pasar mil años para que, en 1965, el Papa Pablo VI y el patriarca Atenágoras I anularan ambas excomuniones de sus antecesores, pero la división se mantiene.
En el 25 aniversario del estreno de Titanic, James Cameron ha decidido zanjar de una vez la polémica sobre la escena de la puerta flotante en el mar. O al menos intentarlo, porque no es el primero ni el último en tratar de justificar que Rose dejara congelarse a Jack de un forma tan egoísta y censurable.
Obviamente, Cameron se reserva el derecho de hacer de sus personajes lo que crea conveniente, y en ese aspecto el propio Umberto Eco reconocía que la única seguridad en lo ocurrido a un personaje se hallaba en el campo de la ficción. No obstante, cuando un creador ofrece su mundo a los espectadores o lectores, es en gran medida responsable de la reacción de aquellos frente al argumento pergeñado.
Con todas las puertas que tenía el Titanic, también es mala suerte que sólo hubiera una al alcance de la pareja protagonista, pero esa es otra historia.
Considerada como una de las joyas del Expresionismo alemán a pesar de durar un hora menos que Avatar 2, la obra de Fritz Lang Metrópolis, basada en la novela de su esposa la guionista Thea von Harbou, ha pasado a dominio público en Estado Unidos el 1 de enero de este año, al haber sido estrenada el 10 de enero de 1927.
Cincuenta años antes de que Anthony Daniels se enfundara el robótico disfraz de C3PO en el desierto de Túnez, su precursora Brigitte Helm sufría las molestias de su conversión en el robot humanoide Futura o Maschinenmensch a la vez que interpretaba a la esforzada protagonista María.
Los efectos especiales de esta película muda en blanco y negro, destacan por sus efectos ópticos como el proceso Schüfftan, que mediante espejos, permite combinar la imagen de maquetas pequeñas con los fondos de las escenas, consiguiendo la inmersión de los personajes en arquitecturas monumentales, tal y como alardea la ciudad futurista de Metrópolis, creada a una escala no humana.
En el aniversario del nacimiento de Stephen Hawking, 08/01/1942 cabe aventurar qué hubiera ocurrido si su famosa convocatoria de una fiesta para viajeros en el tiempo hubiera tenido un resultado diferente al que comunicó.
Como una prueba empírica de la incapacidad de viajar en el tiempo, Hawking invitó a todos los posibles viajeros a una fiesta que convocaría públicamente en los medios de comunicación al día siguiente, de manera que sus coordenadas espacio-temporales fuese conocidas desde el futuro. La fiesta se celebró el 28/06/2009 en unas dependencias de la Universidad de Cambridge y como anunció después, ningún viajero del tiempo se personó, ni tan siquiera para llevarle lejía.
Por supuesto que la imaginación permite otras explicaciones que la mera imposibilidad de viaje temporal. La primera de ellas, es esta viñeta 1049, que en la notación habitual romana, se convierte burlonamente en la MIL. El reciente óscar honorífico para Michael J Fox es un feliz motivo para que los viajeros del DeLorean inauguren esta serie.
La festividad de Epifanía o Adoración de los Magos se asienta sobre una extensa tradición cultural que ha ido enriqueciendo con símbolos o metáforas lo que en principio era una forma de acentuar la legitimidad del Rey de Reyes en el Nuevo Testamento.
La palabra griega plural magi, se interpretó más adelante como magos y mucho más tarde de les asignó el número de 3, sus nombres, edades, razas y continentes de origen, así como su dignidad real, para darle un carácter más universal al concepto de unos sabios de Oriente que, siguiendo un fenómeno astrológico singular, llegaron al reino de Herodes con el pronóstico del nacimiento de un niño que cambiaría el mundo.
A pesar de haberse cortado la coleta más veces que algunos toreros, el rey mago de la animación Hayao Miyazaki cumple sus 82 años con la esperanza de estrenar este año la película que quiere dejar a su nieto como legado y que es una adaptación tan libre como todo lo que ha creado el maestro cofundador de Ghibli de la novela «Kimitachi wa doo ikura ka», que puede titularse en español como «¿Cómo vivís?».
Entre tanto, este genio lleno de contradicciones también ha inaugurado un parque temático, el Ghibli Park, para que sirva de referencia visual mejor que su propio museo y estudio de animación. La idea del parque le venía rondando desde que se creó una reproducción de la casa de las niñas protagonistas de Mi Vecino Totoro para la Exposición Universal de Aichi de 2005.
Continuando con ese ejercicio de materialización, ha recreado escenarios y ambientes de otras películas de Ghibli y dioramas donde los visitantes puedan hacerse selfies. No cuenta sin embargo con las atracciones propias de un parque de diversión al uso, por lo que está orientado a un tipo de público más bien contemplativo.
Hace 120 años, el 3 de enero de 1903, Topsy, una inmigrante hindú de 28 años que se hacía pasar por nacida en América, fue ejecutada por electrocución mientras era filmada para los quinetoscopios a monedas de la compañía de Edison. ´Topsy había asestado un golpe letal a su maltratador y la administración de justicia podía hacerse pública y permitir la recaudación además del precio de las entradas en el Luna Park de Coney Island.
Posiblemente se trate de la primera grabación de un ser vivo muriendo, y aunque se debió a la corriente alterna, no forma parte de la llamada Guerra de las Corrientes entre Edison y Tesla como se ha pretendido en la moderna revisión actual del célebre evento con ciertos toques steampunk.
Esta batalla comercial entre los defensores de la corriente continua (Edison) y los de la alterna (Tesla y Westinghouse) se había resuelto ya en la década anterior al imponer el propio mercado de la distribución de la energía el uso de la corriente alterna. Y sin embargo, la electrocución de animales para demostrar los peligros de la alterna había sido una de las excusas del grupo de Edison para eliminar la alta tensión. Aunque Topsy falleció en apenas 10 segundos, fue necesario reconducir toda la instalación eléctrica del parque para acumular los 6600 voltios necesarios para fulminar su enorme cuerpo.
En 1944, cuando Luna Park fue destruido por las llamas, el público lo relacionó con la venganza de Topsy.
La grabación de su ejecución en 1903, titulada «Electrocuting an Elephant», sobrevive en nuestros días, gracias al registro de su patente por la compañía de Edison y se ha convertido en un testigo del maltrato animal de aquella época.
Aunque este año se celebra el 50º aniversario de la desaparición de J.R.R. Tolkien, qué mejor forma de empezar que con la efeméride con viñeta aliphantiana o Aliphémeris de su nacimiento, un 3 de enero de 1892 en el austral Estado Libre de Orange, actual Sudáfrica.
Tras la serie de Los Anillos del Poder auspiciada por el mismo Jeff Bezos desde Amazon que revolucionaría el concepto de streaming y convolucionaría los entresijos de los aficionados más puristas y que amenaza con una segunda temporada que no deje sin alterar ningún vestigio de la Segunda Edad, hay quien olvida que la mayor parte de las adaptaciones de clásicos difieren de los originales en relación directa a su oposición a los valores culturales imperantes de sus respectivas épocas.
Y no es que los defensores acérrimos de Tolkien deban apreciar la serie de Bezos por el mero hecho de que el magnate haya adquirido los derechos de los apéndices, pero más trecho hay del del Quijote de Cervantes a El Hombre de la Mancha o de Los Pitufos de Peyo al Avatar de James Cameron. Las obras deberían valorarse por sí mismas, por sus propios méritos de relación entre forma y fondo, continente y contenido. Y dicho lo cual, la serie patina como los mûmakil en un lago helado, se inspire en el genio de Tolkien o en la guía telefónica de la Tierra Media.
Para la perturbada pero genial mente de un oriundo de Burbank, California, el municipio donde se ubicó el estudio Disney cuando las crecientes necesidades de espacio no iban a la par con la mejora de las posibilidades económicas, este suburbio fue el caldo de cultivo de su forma de encarar el terror de lo cotidiano. Y tal vez una buena parte de aquella fantasía gótica navideña de 1990 llamada Edward Scissorhands y traducida innecesariamente como Eduardo Manostijeras en España o discretamente como El Joven Manos de Tijera en Hispanoamérica reconcilió a Tim Burton con su propia esencia de artista de extrarradio.
Realmente «Into The Woods» surgió de la imaginación de Stephen Sondheim como un cuento oscuro, donde las verdaderas motivaciones de los personajes clásicos desembocan en una serie de acontecimientos trágicos y que requieren toda su capacidad de superación. A los panaderos y la bruja protagonistas se unen Caperucita Roja, Cenicienta, Jack, el de las Habichuelas Mágicas y Rapunzel, en una parodia que la propia Disney acabó llevando al cine en 2014.
Por si hubiera alguna duda, Sondheim compuso tanto la música como la letra del musical original de Broadway en 1986, cuatro años antes de que el dibujante de The New Yorker William Steig escribiera Shrek y mucho antes de que Jeffrey Katzenberg se regodeara en su venganza personal contra Disney en la adaptación de DreamWorks, película que por cierto ha envejecido peor que el musical de Sondheim.
Aunque técnicamente no es una obra de terror, sí existe en ella esa afirmación de la naturaleza cruel de los cuentos infantiles que son la base de otros relatos de la Noche de Brujas.
Aliphant MVII 60º Aniversario de las Películas de James Bond
Aunque técnicamente se celebra en 2022 el sexagésimo aniversario del estreno de Dr. No, la primera de las películas de Eon al servicio de los Broccoli, la franquicia es algo mayor con dos películas fuera de la productora y novelas e historias cortas para dar vida a un agente secreto interpretado por siete actores en el cine. Esta viñeta 1007 mezcla la famosa escena del láser de Goldfinger en la que se autoparodia las extensas y absurdas torturas de los villanos del cine, con la presencia del número 1 de SPECTRE, Ernst Stavro Blofled, su archienemigo más carismático, reuniendo en el número de la tira a 1 y a 007. En la escena original del libro se usaba una menos espectacular sierra circular, pero es que en 1964 poca gente había visto un láser industrial, por lo que el mismo Blofeld tuvo que explicar su funcionamiento para asegurarse de que se comprendía la gravedad de la tortura al pobre Bond.. El corte fue imitado desde abajo con un operario con un soplete y se pintó el haz del láser sobre los fotogramas para mostrar un rayo, por lo general invisible, salvo cuando incide sobre el humo o sustancias que generen cierta dispersión. Y así se parafrasea uno de la grandes diálogos de 007: – ¿Quiere que hable? – No, señor Bond, sólo quiero que muera.
A pesar de que hoy hace treinta años que Isaac Asimov se desligó de nuestra línea temporal, su apuesta por un futuro civilizado en el que los grandes conflictos se resolviesen por medio de la lógica y la voluntad de entendimiento y su lapidaria frase de que «la violencia es el último recurso del incompetente», parecen vinculados a una serie de acontecimientos ajenos a nuestra realidad treinta años más avanzada. Por otra parte, el acontecimiento más destacable en el legado asimoviano ha sido la emisión por Apple TV de una serie inspirada en Fundación, lo que de por sí, implica más un asunto de licencias que de lealtad a un concepto. Con un alarde de medios técnicos, las bondades de esta serie de ciencia ficción se concentran en su mayor parte en aspectos y subtramas que no pertenecen a la obra original, por lo que se deduce que, si hubieran eludido el título y los nombres de los personajes y topónimos, el resultado no sólo no comprometería la calidad inherente del producto sino que evitaría tensiones en los lectores de Asimov. Detalles fundamentales como la Enciclopedia Galáctica, las leyes de la Robótica, el concepto de Psicohistoria o su visión de la conquista del Cosmos se diluyen hasta desaparecer en la trama, bien sea por el escaso interés que los guionistas deducen que causaría al espectador moderno, por su dificultad de adaptación o incluso por la adquisición de los derechos para tratarlos.
Probablemente, esto de comparar películas sin nada en común y premiar a la que se considere mejor por una minoría supuestamente ilustrada, tenga que ver más con las campañas presidenciales norteamericanas que con la propia esencia del cine. Y sin embargo, cuando le preguntaron al rebelde de Calanda, Luis Buñuel, si veía ganadora del Óscar a Mejor Película de Habla no Inglesa «El Discreto Encanto de La Burguesía», aseguraba que para eso había pagado, escandalizando a propios y extraños. Como en una carrera presidencial, los candidatos deben superar desde su estreno campañas de popularidad que se van materializando en las entregas de premios previos a los Óscars, y por más que los sondeos decanten la tendencia en distintas direcciones, la relativamente escasa masa de votantes tiene capacidad de variar su elección con bastante flexibilidad. Hasta hace apenas una semana, los pronósticos apuntaban a El Poder del Perro, una adaptación fría y analítica de las nociones de un no tan salvaje Oeste que a su directora Jane Campion le interesaba difundir, y el mayor misterio de la misma era averiguar el significado del título de la novela anónima, medio versículo 20 del salmo 22, que hablaba de librar de las adversidades, y con cierta interpretación, de las garras de un mal menor, como un perro, a una indefensa mujer. A pesar de la ambientación de Western, su punto central gira en torno a las relaciones tóxicas y la reacción de las distintas personas frente a ellas. Con tal panorama, la historia de superación de CODA, acrónimo de child of deaf adults, hijo de padres sordos, pero también un guiño a la terminación de las piezas musicales, que interpreta la cantante y pescadora protagonista, genera un atisbo de esperanza y un mensaje de reconciliación con la sociedad. Tildar de mediocre a una película estrenada en Sundance y capaz de crear un vínculo con su historia y personajes al espectador es posiblemente subestimar la esencia misma del cine, que va más allá de formalismos y consiste en el arte de contar historias, con los medios que dispone. Y eso es probablemente uno de los puntos débiles de El Poder del Perro, su aséptica narración y falta de entusiasmo en lo que quiere transmitir.
En el año de los remakes (CODA, West Side Story, Dune) o de películas que no pudieron hacerse en su tiempo (El Poder del Perro, Summer of Soul), Dune se hizo con casi todas las técnicas, Lin Manuel Miranda no completó el EGOT y en el In Memoriam competían el actor Norman Lloyd con 106 años y la animadora Ruthie Thompson de 111 con la jovencilla Betty White (99).
Mejor Película: CODA Mejor Director: Jane Campion (El Poder del Perro) Mejor Guión Adaptado: Siân Heder (CODA) Mejor Guión Original: Kenneth Brannagh (Belfast) Mejor Actor: Will Smith (King Richard) Mejor Actriz: Jessica Chastain (Los Ojos de Tammy Faye)Mejor Actor Secundario: Troy Kotsur (CODA) Mejor Actriz Secundaria: Ariana de Bose (West Side Story) Mejor Largometraje animado: EncantoMejor Corto Animado: The Windshield WiperMejor Película Internacional: Drive My Car (Japón)Mejor Documental: Summer of Soul Mejor Corto de Ficción: The Long Goodbye Mejor Corto Documental: The Queen of Basketball Mejor Maquillaje: Los Ojos de Tammy FayeMejor Vestuario:Cruella Mejor Canción: No time to die DUNE: Mejor diseño de producción, fotografía, BSO (Hans Zimmer), montaje, sonido y efectos especiales. Hasta los próximos Oscars!
Probablemente la escena que mejor define esta película es la del reencuentro de la niñera con los hijos de los Banks 25 años después de haberlos cuidado. Ha venido a cuidar a los niños de los Banks, y de paso, a sus hijos. La película está pensada para aquellas generaciones que durante 55 años han crecido viendo la gran obra de toda una vida de Walt Disney, la original Mary Poppins por cuyos derechos peleó durante dos décadas con P.L.Travers. La hija de Walt fue quien descubrió las historias de la niñera mágica y la que metió a su padre en una carrera de fondo que se explica sin escatimar detalles en Saving Mr. Banks.
La secuela incorpora en su banda sonora referencias a las populares canciones de la primera entrega, pero hace nuevas todas las intervenciones musicales de la nueva película. Existe un continuo cuidado por mantener la simetría con la trama original, sustituyendo unas piezas por otras, en un sinfín de paralelismos que dan en general la sensación de pertenecer al mismo mundo a pesar de las enormes diferencias temporales y técnicas. La secuencia animada que tanto detestaba la escritora Travers ha sido homenajeada por una secuencia que imita el estilo original de trazos rápidos y efectos envolventes, aunque incorporando la dificultad del movimiento sobre la superficie de una sopera de porcelana.
Mary Poppins Returns compite por cuatro premios Oscar de este año, vestuario, diseño de producción, banda sonora y canción y aunque está lejos de las cinco estatuillas que arrancó Walt Disney a la producción de My Fair Lady en un año 1965 francamente británico, no desmerecen Emily Blunt y Lin-Manuel Miranda frente a la otra pareja musical de estos premios, Bradley Cooper y Lady Gaga por el remake enésimo de Ha Nacido una Estrella.
De entre las películas de animación del pasado 2018, la competencia para los premios del sector se está concentrando en cuatro candidatas. Por el lado menos técnico, el cine de autor de Wes Anderson, creador de Fantastic Mr. Fox y Gran Hotel Budapest, es la apuesta de consolidación de un estilo demasiado personal.
Disney aportó con Ralph Rompe Internet una de las metáforas de la triple uve doble más interesantes. Su punto fuerte es el de las maniobras conjuntas de todas las Princesas Disney oficiales en unas de las mejores secuencias de animación del año. Disney-Pixar con Los Increíbles 2 también logró un gran resultado con lo que viene a ser la mejor película de James Bond del año sin James Bond – o incluso con él, siendo justos.
La cuarta opción, también de Disney a través de su filial Marvel, pero distribuida por el acuerdo de Sony, es la mejor película de Spiderman de todos los tiempos y un homenaje tanto a las entregas anteriores como al universo del cómic desplegado durante décadas por el grupo de Stan Lee, John Romita Sr. y Jr. y otros grandes de Marvel. El argumento está bien hilado, la estética es rompedora con tramas de puntos de imprenta ben day y tramas de rellenado clásicas y la cinematografía e iluminación, por virtuales que sean, son un bien en sí mismo.
Aliphant DCCCXXVIII Spider-ANT-Verse
Un gran poder conlleva una gran responsabilidad y claramente la han asumido en este autohomenaje al famoso vecino trepamuros.
La primera viñeta del año recuerda una de las efemérides del mundo de la animación: el 50º aniversario de la serie Scooby-Doo.
En 1969, el estudio Hanna-Barbera lanzó uno de sus productos más famosos y longevos: Scooby Doo. La propuesta del detective cobarde que es incapaz de resolver sus casos estaba basada en los personajes de Bob Hope, aunque la particularidad de que el protagonista fuese un gran danés semi-antropomórfico que apenas farfulla el lenguaje humano tampoco le ayuda. A Scooby. Hope era británico.
El diseño del perro debía reunir todos los defectos que se rechazarían en un buen ejemplar de pedigrí: mentón pequeño, patas y lomo arqueados y la actitud tampoco era la que cabía esperar en un perro de raza. El nombre procede de la jerigonza de Frank Sinatra en Strangers in the Night, en aquellos tramos de la canción en la que se le acababa u olvidaba el estribillo. Del dubi-dubi-du el salto tampoco es sorprendente, si bien su nombre “oficial” completo es Scoubert.
Aliphant DCCCXXVI 50º Aniversario de Scooby-Doo
Además de los episodios para televisión y cómics de Hanna-Barbera, a lo largo de este medio siglo se han producido varios largometrajes animados y de imagen real e incluso se han mezclado con otras franquicias. Sin duda el más peculiar es el crossover del episodio 16 de la 13ª temporada de Sobrenatural, donde la Scooby gang se unía a los hermanos Winchester en su lucha contra las fuerzas del mal. O algo así. En Buffy, la tropa de la cazadora, era frecuentemente autodenominada Scooby gang, lo que pasó de un chiste fácil a una predicción cuando la cazavampiros Sarah-Michelle Gellar interpretó a Daphne y terminó casándose con Fred en la vida real. La naturaleza se abre camino, como dicen en Parque Jurásico…
Aunque los géneros hermanos de la fantasía y la ciencia ficción han sido denostados por la crítica literaria y considerados exclusivamente creados por hombres y destinados para el público masculino, el presente calendario recorre las obras y hazañas de algunas de las mejores escritoras de ambas formas de narrativa.
Fallecida en enero de 2019, la escritora californiana Ursula K. Le Guin mantuvo su apellido de soltera Kroeber como una inicial intermedia de su nombre literario. Fue la creadora del mundo mágico de Terramar (Earthsea) donde tiene especial poder el verdadero nombre de las cosas y los seres vivos. Por otra parte, su principal aportación en el género de la ciencia ficción fue la novela The Left Hand of Darkness, utopía perteneciente al amplio ciclo Ekumen.
Le Guin atesoró el conocimiento de otras culturas a partir de sus traducciones del chino, español y francés y de los pueblos amerindios a través de los estudios de sus padres, antropólogos estudiosos de los últimos vestigios de la tribu Yahi de California.
Para el modelo español clásico de dibujante de tebeos, en el que uno se tenía que guisar y comer todo el proceso, siempre chocaba que hubiera artistas dedicados exclusivamente al guión.
El modelo franco-belga, por antonomasia el dúo Uderzo-Goscinny, permitía aprovechar mejor las habilidades de cada gremio, lo que en este ejemplo se demostró al fallecer René Goscinny. Los álbumes de Uderzo en solitario eran los más bonitos que jamás había dibujado pero el argumento no estaba a la altura.
El modelo americano de DC o Marvel es en cambio el de una factoría. Un equipo especializado atiende a cada parte del proceso y los personajes cambian de dibujantes y guionistas incluso dentro de una misma serie. En ese contexto, Stan Lee era el padre de una cantidad enorme de personajes y tramas, pero siempre había coautores que dieron forma a sus famosas creaciones. Con la adquisición de Disney de la casa Marvel, la popularidad del escritor se disparó a través de sus cameos e incluso se convirtió en un ser animado en el mundo de Big Hero Six.
El lema del nonagenario Stan Lee, Excelsior, recordaba el anhelo de superación, lo más excelso en el camino a la gloria o a la inmortalidad que casi parecía haber alcanzado. Aunque un gran poder conlleva una gran responsabilidad, como decía el Tío Ben de Peter Parker…
Aliphant DCCXCIV Especial Pascua/Ready Player One
¿Puede Spielberg dirigir todavía una «película de Spielberg»? La respuesta está por supuesto en Ready Player One, y no es tan sencilla como pudiera parecer. Spielberg creó un subgénero juvenil de aventuras junto a George Lucas, Robert Zemeckis, John Hughes, Tim Burton o Jim Henson. Es por tanto un tipo de películas en los que el septuagenario se mueve a sus anchas, sin obviamente necesidad de consultar a nadie y el libro de …Ernest Cline, Ready Player One era la excusa perfecta.
Ready Player One evoca un futuro demasiado cercano en el que la sociedad se esconde de la vida real en OASIS, un complejo de juegos de realidad virtual creado por un gran gurú al estilo Jobs. El gurú ha dejado tres pistas para legar el control de su utopía y como en tantos casos, es una carrera entre el bien y el mal y no hay premio para el que llegue segundo. Las pistas requieren revivir la época dorada del fundador, a lo que se suma encantada una nueva generación de post-millenials.
Y sin embargo, Spielberg huye de la egolatría como un gremlin de la luz intensa. En una película donde los huevos de pascua homenaje a la cultura de los 80 van por docenas, las referencias a las propia películas de Amblin han sido severamente limitadas. Y aunque Disney permitió que Starwars fuera mencionada, la saga galáctica corría el riesgo de llevarse demasiado protagonismo y la alusión al Halcón Milenario es lo único que parece haber quedado. No obstante, el material reastante sigue siendo enorme.
No todo es buscar huevos de Pascua, por más que se haya estrenado en Semana Santa. Spielberg usa el lenguaje cinematográfico que le hizo grande, siembra las pistas de forma cuidadosa antes de que sus tramas desemboquen en sus debidas conclusiones con la complicidad del espectador y crea las escenas necesarias de humor y tensión, de ingenio y peligro para atar todos los cabos antes del gran cierre explosivo de triunfo sobre el Mal con mayúsculas, como rige el subgénero.
Como las ondas de un vaso de agua nos anunciaban la presencia de un tiranosaurio, Ready Player One evoca una forma de hacer cine que entusiasmó a toda una generación y tal vez con ella misma a las siguientes.
La viñeta es un homenaje a Tres Anuncios en las Afueras de Ebbing Missouri, la película con el título para atragantar a los presentadores de los Óscars como El Secdleto de la Tlompeta lo fue para el jurado del Festival de Ratisbona. La original película protagonizada por una regia Frances McDormand, quien parece más bien Clint Eastwood con mono azul y bandana, pudo ser la ganadora del Óscar como lo fue del Globo de Oro, del BAFTA y casi todos los premios en los que competía con La Forma del Agua.
La popular aria The Last Rose of Summer de la ópera Martha de Friedrich Von Flotow interpretada por Renée Fleming ambienta una de las secuencias más transcendentales de la película como ya consiguió la gran soprano americana cantando en élfico para otras secuencias del Señor de los Anillos.
Aliphant DCCLXXVIII 3 Anuncios en las Afueras de Ebbing, Missouri
Esta vez no hubo fallo, el óscar fue para La Forma del Agua, que consiguió tres premios más para el director, BSO y producción artística y dos óscars más para Coco como mejor película animada y mejor canción. Un gran año para Latinoamérica con la película de habla no inglesa para Chile.
Aliphant DCCLXXXVI Especial Óscars 2018 La Forma del Agua
Parafraseando a la segunda película del estudio Pixar, Lee Unkrich hace llorar a las larvas. El director de Coco, la última película del estudio ambientada en la fiesta mexicana de Todos los Santos, remueve las emociones como Peter Docter en la secuencia de arranque de Up y lleva la máxima disneyana de “por cada risa incluye une lágrima” a un balance menos favorable para la comedia. Aun así, la trama de Unkrich y su puesta en escena es lo suficientemente elaborada como para conmover a toda clase de público sin humillarse hasta la ñoñería de Don Bluth o a la tragedia infantil sin reparos de Isao Takahata en La Tumba de las Luciérnagas.
Coco es el homenaje de la americana Disney del siglo XXI al país vecino, en la línea de las producciones originales de Walt de Saludos Amigos o Los Tres Caballeros, donde la admiración cultural se convertía en un sentido hermanamiento con la riqueza escénica y musical de Latinoamérica.
La última entrega de este calendario de StarWars tiene por tema una de sus innovaciones. Por un exceso de confianza de la 20th Century Fox, el contrato con el joven Lucas para la primera película le cedía el merchandising a cambio de un sueldo de director más o menos discreto.
Como cabía esperar, el despliegue de productos derivados de la franquicia hizo de Lucas uno de los hombres más ricos de Hollywood y ya no tuvo que depender de los estudios salvo para la distribución de la películas. La adquisición de Disney de LucasFilm ha inundado el mercado de nuevos productos de StarWars, en gran parte de mayor calidad que los originales pero en una escala macroscópica que reduce el interés para el coleccionista.
Probablemente este calendario de Aliphant sobre el 40º aniversario de la saga tampoco llegue a ser nunca de interés para un coleccionista, pero si hay algo que justificara la creación de la space opera de Lucas fue lo mismo que impulsó a esta serie, algo que ocurrió hace mucho, mucho tiempo, en una galaxia lejana.
No podía faltar en este marANTón un homenaje al estilo de un artista gráfico consagrado, en este caso, dos, pues el tándem lo forman el artista formado en Disney Juanjo Guarnido y el guionista Juan Díaz Canales. Si bien el éxito tuvieron que encontrarlo en Francia, los dos artistas españoles han encontrado en la adaptación del estilo antropomorfo de Disney a un género noir adulto marcado por un gusto extremo por el detalle pictórico en su serie Blacksad un auténtico filón de reconocimiento internacional. John Blacksad es el típico detective bogartiano resignado a sufrir los gajes de su oficio con la mayor dignidad posible. Además es un fornido gato negro con el hocico blanco con un instinto para encontrarse en el lugar menos adecuado en el momento menos propicio.
Aunque aligerado el tono adulto, Zootrópolis/Zootopia es con seguridad uno de los thrillers con mejor argumento del año, con un homenaje continuo al cine clásico desde El Padrino a El silencio de los corderos, si se quieren ver las similitudes entre la policía Judy Hopps y la agente del FBI interpretada Jodie Foster. Zootrópolis funciona como una comedia de detectives con la confrontación continua entre la agente novata, la conejita Judy y el soplón forzado, el zorro Nick, en un universo furry donde la violencia ha sustituido a los números musicales, que hay que buscarlos –si bien se dejan oír fácilmente- en la otra película estupenda del estudio que compite por el Óscar a Mejor Largometraje de Animación, Vaiana/Moana.
Es posible que las similitudes entre ambos mundos no acaben allí, si se materializa el rumor de la película de Blacksad, pero tiempo requerirá si debe alcanzar el nivel de exigencia de estos grandes autores.
Cuando una película de ciencia ficción recibe ocho candidaturas al Óscar incluyendo Mejor Película, parece que es el momento de que la Academia recuerde que este género existe y prácticamente, desde la creación misma del cine, desde George Meliès y Segundo de Chomón. Pero es el año de La La Land, así que los heptápodos de ‘The Arrival’ pueden regresar a su planeta con los tentáculos vacíos.
Doce gajos de mandarina espaciales aparcan en zona verde. Pero la mandarina tiene bicho: unos pulpazos heptápodos que de buena tinta quieren comunicarse con Amy Adams, la mejor lingüista americana capaz de destripar todos los topicazos de su oficio, desde el mito de la etimología del canguro a la guerra en sánscrito. Así que Amy se enfunda su mejor bolsa de basura naranja y se enrola en la fantástica aventura de descifrar un lenguaje extraterrestre, más emparentado con la lectura de los posos de café que con las sutilezas del dothraki. La comparación con Stargate es inevitable, aunque la tarea del Dr. Daniel Jackson fuera tan solo de reconstruir las vocales de aquel dialecto del egipcio antiguo hablado por Ra.
Uno de los puntos fuertes del argumento es la radicalización de una teoría lingüística, de cómo llevar al extremo la hipótesis Shapir-Whorf, que establece que cada lengua condiciona la forma de pensar de cada individuo. Aunque a efectos prácticos todo puede expresarse en cualquier lengua humana, las herramientas son diferentes en cada idioma. Algunas lenguas dan especial importancia sobre los tiempos y la finalización de los actos. Otras, resaltan de dónde procede la información, si se conoce de primera mano o a través de terceros. A la hora de obtener nuevos datos, las prioridades pueden variar debido a estos conceptos.
Lo que se resume a efectos cinematográficos en emoción a raudales con alguna explosión.
Sin candidatura a mejor vestuario, es posible que The Arrival haya llegado hasta donde podía, aunque suyo es el mérito de divulgar una de las teorías lingüísticas más interesantes.
Si en una composición uno o varios helicópteros acompañan como un instrumento musical más a los violines, o se trata del Helikopter-Streichquartett (Cuarteto para cuerdas y helicópteros) de Karlheinz Stockhausen o es una representación de Miss Saigon.
“Miss Saigon” es el segundo drama musical más exitoso de Claude-Michel Schönberg, lo que no es decir poco, teniendo en cuenta que es el compositor de “Los Miserables”. Actualización escénica del argumento de la ópera de Puccini Madama Butterfly, donde la Nagasaki de principios del siglo XX dio lugar al Saigón de finales de la guerra de Vietnam, y al contrario que la otra adaptación moderna famosa de una obra de Puccini que es “Rent” desde “La Bohème”, no hay uso alguno de los temas del maestro de Lucca.
Siguiendo el estilo de Schönberg, es decir, del propio Claude-Michel y no del dodecafónico Arnold, toda la trama se narra evitando recitativos y partes no cantadas y la presión de la escena recae sobre la pareja protagonista del drama Chris y Kim, aunque el personaje conocido como El Ingeniero lleva toda la carga cómica. La soprano filipina Lea Salonga, conocida como la cantante en versión original de Aladdin y Mulan, se adueñó del papel de Kim desde 1989 cuando contaba con la edad que tenía el personaje, apenas 17 años.
El tema principal de Chris, el soldado americano enamoradizo, “Why, God, Why?” se retoma en la famosa escena del segundo acto del helicóptero de la evacuación de Saigón, clímax de la separación ausente en la ópera, pero de gran impacto en el musical. Y allí es donde aterriza la viñeta de hoy.
De haberse perseverado en la sílaba, el título hubiera servido de parque temático en conmemoración de las hazañas de Massiel, pero se conformaron con algo menos, y hablando de conformarse, hasta aquí habrá de leer el lector que evite conocer algo más de la trama, pues arduo es defender este argumento sin entrar en pormenores.
El arranque en clave flash-mob, esa entelequia audiovisual que trata de saciar las imperiosas necesidades de la población deseosa de cantar y bailar en grupo más allá de lo que permite la ducha o el camerino de su vehículo, lugares que posiblemente hagan más justicia a sus habilidades canoras por su privilegiada acústica, pero no dan espacio suficiente a sus riendas coreográficas, es un guiño a una generación criada con musicales de Disney.
Pero el argumento, no poco denostado en estos días, tiene el acierto de contar lo que no ocurrirá, de narrar lo que podría haber sido y no fue, de cómo los intereses individuales acaban con las relaciones porque, si bien perseguir los sueños tiene un alto precio, ¿cuál es el coste de renunciar a ellos? La La Land plantea esa irrealidad de las hipótesis no futuribles en clave musical, de La, posiblemente en una argamasa de canciones pegadizas, estereotipos reconocibles y una puesta en escena donde la coreografía de la cámara es aún más complicada que la de los bailarines. La superficialidad en los musicales se presupone, como el valor en la Legión, salvo tal vez en los de Esther Williams que se mantenían entre dos aguas, pero es un lenguaje cinematográfico eficaz para transmitir emociones en lugar de eventos.
Apenas diez películas musicales han ganado el Óscar a mejor película en 88 ediciones. Algunas se llevaron hasta los asientos del auditorio, como West Side Story o despertaron añoranza por el género, como Chicago, pero nunca se han apartado del todo de las carteleras. Con sus catorce candidaturas, se presenta la ocasión de ver si este autohomenaje, este selfie del cine clásico musical trasladado a nuestra era, es capaz de llenar la Ciudad de Estrellas.
Aliphant DCCXXIX Especial San Valentín 2017: La La Land
El concepto del hiperespacio en la ciencia ficción es un filón inagotable para los más diversos autores del género, permite reducir los tiempos de desarrollo de los argumentos, ampliar el factor sorpresa y cómo no, crear tiempos muertos donde potenciar con diálogos lo que no se puede justificar con acciones. Aunque los científicos dudan de la posibilidad de que algún día exista una tecnología que nos permita aprovechar los puentes espacio-temporales, no por ello han de renunciar nuestros escritores a la posibilidad de ir donde jamás otro libro ha llegado.
Las representaciones del hiperespacio en la literatura hacen hincapié en las malas sensaciones que producen sobre los protagonistas: mareos, desorientación, mutaciones, efectos de Valerio Lazarov, visión de protector de pantalla, etc. Pero no suelen ser muy explícitos a la hora de expresar el aspecto visible del interior de un túnel de gusano… lo más probable es que el estiramiento de la materia al entrar en el hiperespacio haya aniquilado a cualquier ser vivo, pero si pudieran ver algo, es justo lo que necesitaríamos para plasmarlo en cualquier serie del género.
El campo estrellado en fuga de Star Wars es una de las representaciones más clásicas del hiperespacio, y la nave corelliana El Halcón Milenario, un verdadero portento de la técnica para aprovechar con velocidades absurdas estas vías de escape, así como una metáfora muy útil de cómo las apariencias engañan.
CALENDARIO ALIPHANT FEBRERO Febrero de 2017
Febrero de 2017
Película:
La Guerra de las Galaxias (StarWars IV. A New Hope, 1977)
Se trata de la primera película del mundo de Rowling donde los espectadores no han tenido acceso al argumento y toda la información procede de lo que se proyecta en la pantalla, lo que es por otra parte habitual en la mayor parte de las producciones. Habrá que acostumbrarse.
La puesta en escena en el Nueva York de los años 20, permite comparar una época en la que la secreta sociedad mágica y la no mágica no diferían tanto en hábitos y costumbres, pero donde también la brecha entre la tecnología y la magia era mucho mayor. En la época de Harry Potter, los magos parecen haberse visto atascados en otra era, tal vez por voluntad propia, como una comunidad Amish. Y aunque no exenta de humor y paradojas, tal vez el mayor acierto es que el protagonista Newt Scamander es un tipo raro hasta para ser mago y sin embargo más abierto y avanzado que los supuestos personajes normales.
El diseño de esta primera producción de cinco en la que J.K. Rowling colabora como guionista y productora es extraordinario por los detalles, por la presentación elegante de una época más estética, influida por el modernismo y el art déco, por huir de la épica de la primera saga en favor de un mensaje más conciliador con la misión de un zoólogo defensor de la naturaleza que busca comprensión dentro de una sociedad preocupada por su propia supervivencia.
Aliphant DCCXIV Animales Mágicos y Dónde Encontrarlos
Una de las fuentes de inspiración reconocidas -aunque tal vez sin necesidad alguna, por la obviedad- de las tiras de Aliphant, son las portadas de los álbumes de Ibáñez que fuerzan ciertas normas de creación: una única viñeta, información no explícita detonante de la situación expuesta y un desenlace incierto de la acción que probablemente desemboque en desastre. Suelen ser así las tiras de encargo de un simulador, como el caso que nos ocupa.
De doctores extraños andamos bien servidos por estos lares, pero a los guionistas americanos les sigue pareciendo una fuente de sorpresa y novedad.
del mangaka Monkey Punch – pseudónimo de batalla de Kazuhiko Kato. Lupin III, nieto del bandido galante Arsène Lupin es un Kaito, su equivalente japonés algo más cercano a Takeshi Kitano que a David Niven. Miyazaki había animado episodios de la serie y cuando le tocó animar la película tomó ciertas licencias que ya apuntaban a lo que sería su cine. No obstante, reniega de esta ópera prima y de los dos episodios restantes con los que concluyó la serie.
Miyazaki cambió el tono más adulto de la serie para acercarlo a todos los públicos, con un ladrón más enamoradizo que mujeriego, algo menos de violencia y un estilo más redondeado en sus trazos. Hay artefactos voladores y un Fiat 500 animado con toda su pericia y la recreación del ficticio enclave de Cagliostro recuerda a escenarios y vestuario de Nausicaä o El Castillo en el Cielo. Spielberg mostró su entusiasmo por esta película, aunque es probable que no se le resista cualquier filme que incluya mecanismos centenarios ocultos que funcionen a la primera, y Cagliostro esconde mucha relojería.
En alemán, un librillo doblado en forma de acordeón es llamado Leporello, en honor al célebre sirviente operístico que, de tal guisa, llevaba el registro de las amantes de Don Giovanni. Inspirado por el Burlador de Sevilla de Tirso de Molina, la historia del donjuanesco galán y su condena a los infiernos, Mozart creó una de sus más geniales partituras de ópera y tan apropiada para Todos los Santos como El Cascanueces de Chaikovski es para la Navidad. Con rasgos de comedia negra y épicas contiendas a espada, el mismo colectivo romántico que se inventó el enfrentamiento Mozart-Salieri, la rivalidad de Felipe II y su maltrecho hijo el Infante Don Carlos y la primera comunión de Joan Collins, no tardó en idealizar la figura de Don Juan como un héroe adelantado a su tiempo, un emblema de libertad y lo que es más curioso, defensor y admirador de la mujer, a pesar de todas las contradicciones. El mismo Kierkegaard, que todos con ansia leemos, defendía esta historia y llegó a estimar que la cantidad de mil tres españolas en la lista de conquistas de Leporello no podía ser fruto de la rima o del azar y que o bien era un indicativo de una lista incompleta o bien procedía de la historia original, que a todos los efectos, no incluía referencia alguna a un registro de amantes de Don Giovanni.
Sea como fuere, hay que tomar nota de las moralejas: jamás invite a una estatua a cenar y compre óperas del siglo XVIII, Las Bodas de Fígaro sin ir más lejos o la que anuncian de Martín y Soler, el llamado Mozart Valenciano.
¡Feliz Halloween!
Aliphant DCCVIII Especial Halloween 14: Don Giovanni
Las seis letras GHIBLI representan las seis semanas del mes de octubre, divididas entre tantos segmentos como días tiene cada una de las semanas del mes.
En 1997 las condiciones económicas del estudio Ghibli permitieron a Miyazaki crear la película que siempre había querido hacer con los medios que requería, como el equivalente a Fantasía para Walt Disney en 1940. Si bien la gran Rumiko Takahashi, posiblemente la autora que mejor ha explorado el género fantástico en el periodo Muromachi, ha sabido desplegar con Inuyasha una epopeya de dimensiones épicas, la Princesa Mononoke de Miyazaki no se queda rezagada en su retrato de un Japón medieval mágico donde demonios y cruentas batallas tratan de decantar el fiel de la balanza entre bandos rivales.
Sin embargo, mientras en Inuyasha se trata de una lucha entre el bien y el mal, los conceptos de Miyazaki nunca son tan maniqueos. La sociedad primitiva y natural, protegida por entes místicos combate con la civilización industrial fundada por supervivientes del Imperio, que tratan de rehacer sus vidas luchando contras los prejuicios que les llevaron a su exilio. Hasta allí sería similar al enfrentamiento de La Flauta Mágica de Mozart, donde el presunto antagonista atiende a razones legítimas. Además, guerreros samuráis y emisarios del Emperador irrumpen en la escena como un nuevo frente, al que se añade el verdadero protagonista de la película, el príncipe Ashitaka.
Ashitaka era el título original de la película, y el hilo conductor se basa en la evolución de este personaje, que a diferencia de Mononoke, está tratando de entender todas las facciones del conflicto y, de paso, encontrar la cura para la maldición que le está consumiendo.
La violencia de las escenas de Mononoke, más comunes en el cine de Otomo o en el propio Inuyasha que en el de Ghibli, trata de crear un ambiente de destrucción de una era ya de por sí convulsa y degradada por las guerras civiles y la pérdida de las tradiciones simbolizada en el Espíritu del Bosque.
En 1989 y gracias al merchandising de su éxito anterior Mi Vecino Totoro, el estudio Ghibli se permitió dedicar 16 meses a la elaboración de otra adaptación de Miyazaki: Majo no Takkyubin (Nicky La Aprendiz de Bruja, en España y de forma, harto más confusa, El Delivery de Kiki, en Argentina).
Argumento aparte, la historia basada en una novela de la japonesa Eiko Kadono trataría de la búsqueda de la identidad personal tras la superación de los baches existenciales y creativos que terminan forjando el carácter. Si se atiende a la narración, es el relato de una niña de 13 años que debe pasar su rito iniciático como bruja, constituyéndose como autónoma en una empresa de mensajería con la escoba voladora como principal activo de su parque móvil.
Como es habitual en las adaptaciones de Miyazaki, la autora se molestó seriamente por los cambios sobre su idea original, pero tras el éxito de la película limó las asperezas, escribió tres secuelas más a la historia e incluso vio razonables los injertos steampunk de Ghibli.
En Japón, aunque el nombre original de la protagonista Kiki no era tergiversable, estuvieron a punto del litigio por el uso de la palabra Takkyubin en el título, que literalmente significa “el Takkyubin de la Bruja”. Takkyubin es el nombre comercial de una empresa de reparto japonesa e Isao Takahata no sólo consiguió convencerles para usar su nombre como sinónimo de servicio de mensajería sino que además los convirtió en patrocinadores. Al parecer, fue la única pero provechosa colaboración del otro director de Ghibli en la película.
La asimilación del complejo de culturas celtas con la hechicería amalgamó usos y costumbres en una hibridación de modestos resultados. A pesar de sus conocimientos astronómicos, por lo único que echaban en la gran pantalla cada noche, el calendario celta carecía de la precisión del modelo juliano, con ciclos de compensación de 30 años para mantener su carácter lunisolar.
Tampoco su sistema de numeración se prestaba para una aritmética competitiva, con los entramados de base veinte, medias centenas y sustracciones, por lo que, como ocurre actualmente en las lenguas celtas restantes, utilizaban el sistema verbal tradicional para contar y uno posicional simplificado para poder operar con cantidades. Los calendarios híbridos galo-romanos como el bronce de Coligny no sobrevivieron y el mundo conocido terminó adoptando el calendario juliano hasta que fue mejorado por el papa Gregorio Magno.
Septiembre de 2016
Película:
Majo no Takkyubin (Nicky La Aprendiz de Bruja, 1989)
Calendario lunisolar celta galo-romano, con dígitos romanos y nombres en gaélico. Los días de la semana empiezan en lunes (Di-Luain) a domingo (Di-Dòmhnaich). Como el calendario celta requiere empezar el mes en luna nueva, los dígitos están desplazados un día, siendo el 1 de septiembre el 29 del mes Eilmì y como primero del mes Aodhrain el 2 de septiembre.
A mitad de camino entre La Sirenita y ET el Extraterrestre, Ponyo en el Acantilado (Gake no Ue no Ponyo, 2008) es una fábula muy peculiar, al puro estilo Miyazaki, sin villanos reales y donde la magia está al servicio de la estética más que de la propia trama.
La historia trata de una deidad marina pisciforme que se convierte en humana por propia voluntad tras hacerse amiga de un niño japonés. La música de este proyecto es épica, wagneriana por momentos y siempre pendiente del líquido elemento. Los dibujos alternan las formas más elaboradas de Kazuo Oga con técnicas de cera casi infantil, en un realismo mágico donde prácticamente nada se cuestiona. A pesar de desarrollarse parte de la trama en un asilo de ancianos de la costa, no es el mundo de los adultos el que guía los pasos de los protagonistas, sino un veleidoso estado del mar, que rige los destinos de los habitantes de Fukuyama, en la prefectura de Hiroshima, costa que se convirtió en una de las más solicitadas por los inversores inmobiliarios tras el éxito de la película.
Miyazaki quiso crear una segunda parte, pero el productor ejecutivo del estudio, Suzuki, le aconsejó dedicarse a su última película, El Viento se Levanta.
A mitad de camino entre La Sirenita y ET el Extraterrestre, Ponyo en el Acantilado (Gake no Ue no Ponyo, 2008) es una fábula muy peculiar, al puro estilo Miyazaki, sin villanos reales y donde la magia está al servicio de la estética más que de la propia trama.
La historia trata de una deidad marina pisciforme que se convierte en humana por propia voluntad tras hacerse amiga de un niño japonés. La música de este proyecto es épica, wagneriana por momentos y siempre pendiente del líquido elemento. Los dibujos alternan las formas más elaboradas de Kazuo Oga con técnicas de cera casi infantil, en un realismo mágico donde prácticamente nada se cuestiona. A pesar de desarrollarse parte de la trama en un asilo de ancianos de la costa, no es el mundo de los adultos el que guía los pasos de los protagonistas, sino un veleidoso estado del mar, que rige los destinos de los habitantes de Fukuyama, en la prefectura de Hiroshima, costa que se convirtió en una de las más solicitadas por los inversores inmobiliarios tras el éxito de la película.
Miyazaki quiso crear una segunda parte, pero el productor ejecutivo del estudio, Suzuki, le aconsejó dedicarse a su última película, El Viento se Levanta.
Ni Schulz ni Chaplin están ya con nosotros, pero seguro que estarían de acuerdo con el llamamiento de Supermaño de Alberto Calvo: “los moñacos estamos de luto”.
En plena era de la telemetría láser y de los telescopios capaces de encontrar céntimos en la Luna, parece increíble que unos de los mayores misterios sea averiguar la altura real del ex marido de Katie Homes, Nicole Kidman y Mimi Rogers. Hace unos años el CSID envió a la Agente Pe + con un metro de sastre y dos chinchetas, pero los resultados son todavía clasificados, y por alguna extraña razón se vino con un óscar bajo el brazo.
Pero lo interesante de la película que nos ocupa no es tanto el personaje del señor bajito, sino el discurso que fuerza al coronel que interpreta Jack Nicholson. Mientras Demi Moore y Kevin Bacon miraban atónitos, Nicholson se incriminaba en un asesinato encubierto de disciplina y búsqueda del bien mayor.
En Algunos Hombres Buenos, preferían mostrarnos a los demás.
Con la desaparición del último miembro del casting, aunque en un papel controvertido y poco convencional para un cómico de la talla de Mickey Rooney, se cierra un capítulo en la historia de Breakfast at Tiffany’s, o como se llamó para un público menos habituado a las compras de Black Friday en Quinta Avenida, “Desayuno con Diamantes”.
La Academia alabó la música estupenda de Henry Mancini, sus variaciones sobre “Moon River”, la canción que diseñó para el limitado registro vocal de Audrey Hepburn, quien creó un personaje extraordinario suavizando las polémicas líneas de Truman Capote.
Mickey Rooney interpretaba a un vecino japonés gruñón y molesto por las fiestas y costumbres del personaje de Audrey, pero con visos de un mejor entendimiento en otras circunstancias.
Decía que, con sus ocho esposas, nunca le faltaba un lugar donde pasar la Navidad. Tras ochenta años de carrera y 200 películas, descanse en paz, Sr. Rooney.
Cuando en La Vuelta en Mundo en 80 Días Jules Verne anticipa el hasta entonces extraño concepto de la globalidad, toda la información de la que disponía cabía en una enorme biblioteca. Era 1872, la Reina Victoria controlaba medio mundo, el transporte más veloz iba a vapor y el turismo apenas era un invento, pero surgió una legión de imitadores que reprodujeron su vuelta al mundo cada vez en menos tiempo y con menos contratiempos.
A pesar de las muchas road movies que adaptaron la novela de Verne con el dinamismo necesario, no hay pocos que no consideren que la versión más fiel al texto original es una producción española de animación del estudio BRB Internacional que convirtió al protagonista Phileas Fogg en el león antropomórfico Willy Fog.
El fenómeno científico inherente en la obra es la consecuencia del franqueo de los husos horarios en dirección este, que lleva a un espectacular doble desenlace.
Sobre el mapa del viaje de Phileas Fogg, el primer día comienza emn el meridiano de Greenwich en el Polo Norte y avanza el mes hacia el este y el sur. Los domingos, marcados en rojo son según su esquina SW: W060N70, E000S20, E060S60 y E120S80
86ª Edición de los Óscars, que tuvo como mejor película Doce Años de Esclavitud
Actor de Reparto Jared Leto por Dallas Buyers Club
Vestuario El Gran Gatsby
Maquillaje Dallas Buyers Club
Corto -Animación Mr. Hublot
Largometraje -Animación Frozen
Efectos Visuales Gravity
Corto -Ficción Helium (Dinamarca)
Corto Documental The Lady in Number 6
Largometraje Documental 20 feet from Stardom
Película de Habla no Inglesa La Gran Belleza (Italia)
Mezcla de Sonido Gravity
Montaje de Sonido Gravity
Actriz de Reparto Lupita Nyong’o por Doce Años de Esclavitud
Fotografía Gravity
Montaje Gravity
Diseño de Producción El Gran Gatsby
BSO Steven Price Gravity
Canción Frozen- Let it go
Guión Adaptado Doce Años de Esclavitud
Guión Original Her
Director Alfonso Cuarón por Gravity
Actriz Principal Cate Blanchett por Blue Jasmine
Actor Principal Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club
Como Óscars Honoríficos: Ángela Lansbury, Steve Martin y Piero Tosi
Con la que está cayendo por todas las Rusias, la siguiente novela de Verne a vapulear no podría ser otra que la gran “road movie” del XIX: “Michel Strogoff, el Correo del Zar”, de 1876. El libro narra el viaje de un whatsapp de los de antes, entre el emperador Alejandro II en Moscú y su hermano el gobernador de Siberia, en Irkutsk, a más de 5.200 verstas – kilómetros, con más pérdida de exotismo que de precisión- y con todo el kanato tártaro en rebeldía. Los tártaros o tátaros en el siglo XIX ya no eran una amenaza para el Imperio ruso, pero a efectos folclóricos ayudaba a la trama. La edición fue apoyada por el gran escritor ruso Turguenev, que dio alguna corrección a la ya de por sí detallada descripción de biblioteca de Verne. No obstante, no hay adaptaciones del cine ruso de esta novela.
El único punto de ciencia ficción lo aporta un giro sorprendente de la trama. Strogoff es sentenciado a la privación de su vista por quemadura con una espada al rojo, en una bárbara tortura tártara. El reo perdía hasta las pestañas, literalmente. Pero Strogoff tenía el buzón lleno y una misión que cumplir.
En una de las ocurrencias propias de un CEO que se precie, Michael Eisner expuso a su equipo en Disney que si habían conseguido grandes éxitos de crítica y taquilla con superproducciones épicas de la talla de El Rey León o La Bella y la Bestia, podían conseguir lo mismo con un presupuesto austero. Hubo un claro antecedente histórico, en tiempos de Walt con Dumbo, película de bajo presupuesto que recaudó millones y ganó un óscar, pero era otra época: el mundo estaba en guerra y muchos de los animadores y espectadores estaban luchando en ambos frentes.
El encargado de sacar adelante el proyecto fue Chris Sander, un director nada convencional que rescató la técnica de acuarela que llevaba 60 años sin usarse y elaboró una de las mejores historias de los últimos tiempos, no estando basada en un cuento de hadas. Lilo & Stitch se desarrollaba en un entorno prácticamente desconocido en el medio, en el Hawaii contemporáneo, con generosas referencias a Elvis Presley y la cultura surfera y toques de ciencia ficción.
El resultado posiblemente no rebasó las expectativas de Eisner e incluso perdió el primer óscar de largometraje de animación frente a la japonesa “El Viaje de Chihiro”, pero es un trabajo extraordinario de gran calidad artística y una entrañable calidez.
En la historia de la animación hay una contienda de dimensiones épicas y de más de dos décadas de duración famosa por la beligerancia de sus oponentes. Más allá de la carrera entre las industrias americanas y la soviética Multfilm o de la venta de espinacas de Popeye, la pugna de los hermanos Disney por los derechos de adaptación de Mary Poppins de P.L. Travers se ha plasmado finalmente en la primera película en la que un actor, en este caso Tom Hanks, interpreta a Walt Disney como protagonista.
La soleada California de los primeros años 60 es el caldo de cultivo para una historia en la que la visión de la autora y el criterio de adaptación de los guionistas deben encontrar un equilibrio que daría lugar a una película mítica en la historia del cine. La que, probablemente, haya sido la mejor película de 2013, que se ha quedado fuera de la carrera de los Óscars, es un testimonio de las inquietudes de los creadores de sueños.
Que las grandes historias de amor acaben bien o no, suele ser cuestión de terminar la narración a tiempo, aunque, si se trata de un relato sobre perdices, siempre habrá finales inapropiados.
Al estilo de otros revisionistas de finales del siglo XIX, que recrearon estilos ya archivados, Edmond Rostand formó su historia basada en un personaje real del siglo XVII pero tan mítico y extraordinario que parecía producto de la ficción más imaginativa como Don Quijote, Don Juan o Angelina Jolie.
Cyrano de Bergerac fue un militar, poeta, dramaturgo e incluso astrónomo. La obra de teatro homónima en verso de Rostand le convierte en un personaje prodigioso, pero enormemente acomplejado pese a sus grandes virtudes, de un orgullo sólo comparable a su gran nariz, que le impide someterse a los poderes de su tiempo y al posible rechazo de su amada prima Roxanne. En la viñeta, el verso extraído de Rostand que no pertenece, lógicamente, a la famosa escena del balcón dice : « Lors même qu’on n’est pas le chêne ou le tilleul, Ne pas monter bien haut, peur-être, mais tout seul ». “Aun no siendo la encina o el tilo (árboles símbolos del poder terrenal, real, y del poder espiritual, o del amor), no habré subido quizás muy alto, pero lo hice completamente solo.”
Fracasó en todos los aspectos de la vida, pero triunfó en los demás.
Tal día como hoy, pero en 1981, comenzó la producción de los DeLorean DMC12 en una planta de Dunmurry en Irlanda del Norte. No fue un vehículo de masas en su época, pero su peculiar configuración de alas de gaviota y su inclusión como máquina del tiempo en la trilogía de Regreso al Futuro hicieron de este vehículo un objeto de colección, como bien reflejó la serie de humor Chuck. La variante navideña bañada en oro de 24k de las que se conocen cuatro unidades daba una vuelta más en la tuerca de la excentricidad.
También dorado fue Smaug, el dragón de El Hobbit, en más de un sentido con baño de oro según la extensa adaptación cinematográfica de Peter Jackson, donde la fantasía del director se mezcla con la fantasía de Tolkien para dar todavía más horas de fantasía, lo que de tratarse de un país, hubiera generado para Michael Ende el escenario adecuado de una historia interminable.
Las adaptaciones de trilogías escritas, que no siempre literarias, al cine, derivan de una forma extraña en una relación inyectiva, hacia tetralogías que, en la mayor parte de las ocasiones, solo contribuyen a aumentar la agonía del espectador ante los temas trascendentes que plantean, principalmente, la resolución de triángulos amorosos cuya angulosidad ruborizaría al propio Pitágoras.
La trilogía de la familia Cole del massachusettense Noah Gordon, especialista en novelas de médicos, de judíos y de médicos judíos, no tuvo el clamor popular en su país del “Filme súbito”, pero en Alemania, donde sí triunfó, han visto una ocasión de desquitarse por su malograda Historia Interminable, la novela de Michael Ende que terminó como el historial clínico de Mickey Rourke o Belén Esteban, interminable tal vez, pero sin objetivo claro y estética en declive.
La viñeta de hoy no trata en sí de “El Médico”, sino del hecho de verla…
Las apenas nueve películas de este exitoso productor cosecharon 34 nominaciones y 22 óscars, entre ellos, los tres de mejor película para «Alguien voló sobre el nido del cuco», «Amadeus» y «El Paciente Inglés». Trabajaron para él directores de la talla de Miloš Forman, Anthony Minghella y Peter Weir y fue mundialmente conocido por sus derechos cinematográficos para la obra de Tolkien, cuyos primeros intentos fueron sus versiones animadas de culto dirigidas por Ralp Bakshi.
Con El Paciente Inglés, acumuló nueve óscars con la adaptación de la novela de Michael Ondaatje, en la que el churruscado Conde Almásy nos cuenta con sus flashbacks una trágica historia de aventuras en el norte de África. Dos aviones clásicos tienen especial protagonismo en las espectaculares secuencias aéreas: un Boeing Spearman amarillo y un De Havilland Tiger Moth plateado. Precisamente, la constructora De Havilland fue fundada por la familia de la recientemente desaparecida Joan Fontaine y su hermana superviviente Olivia de Havilland, conocida por su papel de Melania Wilkes en Lo que el Viento se Llevó, donde tenía como cuñada y prima a India Wilkes, interpretada por Alicia Rhett, que falleció el mismo día que Saul Zaentz, el pasado 3 de enero de 2014 .
Comenzamos con un tema invernal, procedente de uno de los ejercicios más creativos y deslumbrantes del cine del 2013, incapaz de dejar a nadie frío. Tras décadas de especulación sobre las últimas voluntades del fundador, es curioso que la compañía del ratón octogenario haya titulado su última película como «Disney’s Frozen». No obstante, y salvo que la Reina Elsa de esta película nos demuestre lo contrario, la primera persona con la que se practicó la criogenización falleció algo después que el propio Disney, que fue incinerado tras su lucha fallida contra el cáncer. «Saving Mr. Banks» será la primera película que acercará al gran público a la biografía del cineasta americano, en concreto durante la complicada elaboración de su gran triunfo «Mary Poppins». Pero tiempo habrá, el año no ha hecho más que empezar.
Hace sesenta años la torre del Parlamento británico que aparece en esta viñeta era simplemente conocida como la Torre del Reloj, aunque todo el mundo sabía que contenía una campana llamada Big Ben. Fue el escenario de una de las escenas más solemnes de la adaptación disneyana del clásico de J.M. Barrie, sobre un eterno adolescente que no sabía madurar, como Miley Cirus o Justin Bieber, pero algo mejor vestido.
Era también 1953 y los Estudios Disney producían películas con temas londinenses y parisinos en su variante del plan Marshall de reconstrucción de la idea de Europa.
Cuando para animar a la Reina Victoria por la pérdida de su esposo Alberto el pueblo del Imperio redujo sus bodas de diamantes, el Diamond Jubilee, de 75 a 60 años y nombraron a la torre del archivo del Parlamento, Torre Victoria, sentó un claro precedente. Su tataranieta Isabel II ha repetido su hazaña, y en su honor, la Torre del Big Ben es ya oficialmente la Torre Isabel, algo más bajita que Victoria pero más famosa, sin duda.
Peter Pan marca la transición entre la generación de pedirle cosas a una estrella (When you wish upon a star) de Pinocho y la de ir directamente a su encuentro (Second Star to the Right) para alcanzar Nunca Jamás.
¿Cuál es el secreto de la felicidad? Los matemáticos, gremio risueño donde los haya, saben cuándo es un número feliz. A saber, si iterativamente el cuadrado de los dígitos que componen un número suman la unidad, o si tras varias iteraciones sobre su resultado se alcanza el uno, los matemáticos consideran que se trata de un número feliz. Los números felices no son por desgracia habituales, a pesar de ser su cantidad infinita; sólo el 15,5% de los números entre 1 y 10 elevado a 122 son felices. A pesar de que la cantidad de felicidad es ilimitada, sólo hay diez elevado a ochenta átomos en el universo observable, por lo que si numeráramos todos los átomos del universo conocido, nos hallaríamos a cuarenta y dos órdenes de magnitud por debajo de la cifra con la frecuencia indicada. Pero siendo generosos, que es otra vía para conseguir la felicidad, es cuestión de administrar bien diez elevado a setenta y nueve átomos.
Un cuerpo humano tiene menos de 10 elevado a veintiocho átomos, Por descontado que algunos cuerpos tienen mejor ordenados los átomos que otros, pero no por ello hay que disgustarse. Si estamos solos en el Universo, hay felicidad para 10 elevado a cincuenta y un seres humanos y somos apenas siete mil millones. Podemos ser plenamente felices hasta el último átomo de nuestro ser e incluso dejar que sean felices nuestros animales domésticos, nuestras plantas preferidas y algunos matemáticos, si así lo evalúan.
Un número feliz es el 103. (1×1 + 0x0 +3×3 =10; 1×1 + 0x0 = 1). Además es primo; siempre la inocencia se ha llevado de la mano con la felicidad. Es el número atómico del Lawrencio, elemento en honor al físico E. O. Lawrence, con una esperanza de vida de 216 minutos en su mejor isótopo, – el elemento, es decir, el átomo- , precisamente lo que dura la película en honor a T.E, Lawrence, otro Lawrence contemporáneo suyo, mucho más conocido como Lawrence de Arabia. En este momento suele sonar una banda sonora.
Lawrence de Arabia, posiblemente el británico más raro de ese momento concreto de la Historia, unificó épicamente las distintas tribus árabes contra el Imperio Otomano en la Primera Guerra Mundial, dando lugar a un perfil de aventurero que la prensa aliada encumbró como uno de los héroes míticos de la Gran Guerra. De no haber fallecido en un accidente de moto que, por evitable, condujo al primer uso obligatorio del casco, hubiera tal vez cumplido 125 años en agosto, pues como él mismo decía, sólo una bala de oro podría matarle. Bastante más caro que un hombre-lobo.
Arabia Saudita, a pesar de su tradición de varios siglos, se formó como el reino actual en 1932 y en sus diez apariciones en los Juegos Olímpicos ha conseguido una medalla de plata y dos de bronce, lo que da un nivel de espíritu olímpico nada desdeñable de 4,42 coubertinos. Su bandera, con el verde tradicional del Islam tiene un uso muy restringido debido a que incorpora la profesión de fe de la shahada en caligrafía árabe thuluth. Al tratarse de un texto sagrado con el nombre de Allah, la bandera no puede ondear a media asta, ni ser colocada de forma vertical o tener una inversión en el reverso. Tampoco se puede aplicar a productos como camisetas, pegatinas o balones de fútbol. La espada de Ibn Saud, el fundador de la disnastía saudí subraya el texto religioso, como señal de victoria del Guardian de las Dos Sagradas Mezquitas, de la Meca y Medina.
Recapitulando todo esto, como decía cierta hechicera de nombre de mosquetero y bañador de Obregón, no se olviden de ser felices. Que de ser primos, ya nos sé si nos libraremos.
Si se analiza la tercera entrega de la tetralogía del Anillo, Siegfried, como una obra independiente, es lo más parecido a una aventura épica con final feliz, donde el bien triunfa sobre el mal y el lingüista se queda con la chica, tras superar proezas de nivel avanzado hasta el monstruo de la última pantalla, que acaba siendo la propia valquiria Brunilda sumida en un profundo sueño en color y todo.
El joven héroe wagneriano Siegfried (Sigfrido) es un diamante en bruto, más por bruto que por diamante, con más temeridad que valentía y un desconocimiento épico del miedo, fruto, en general, de una educación descuidada por su padre adoptivo. Tras volver a forjar su mítica espada antes que el carácter, la templanza del arma se culminará con la matanza a sangre fría del dragón Fafner que esconde un tesoro con anillo único maldito de serie. Por error de manipulación de alimentos, acabará el mismo probando la sangre de dragón, lo que le proporcionará el don de comprender el lenguaje de los pájaros, de oír lo que piensan sus enemigos y según versiones más exageradas, de distinguir el fucsia. Técnicamente, es un pajarito el que le dice cómo localizar su próximo reto, unas llamas mágicas que ocultan a una doncella que espera dormida un valiente ignífugo que la salve, por el perfil expuesto, tal vez un bombero-torero.
El paladín de la estirpe de los volsungos franqueará los obstáculos para hacerse con la doncella que, por su facultad intimidatoria de valquiria, provocará finalmente la inseguridad y el temor que tanto anhelaba conocer. Y tras cuatro horas de presencia escénica casi continua y un último dueto con una soprano wagneriana fresca y lozana por recién salida del camerino, termina la verdadera heroicidad de esta ópera que es la de su propio papel titular de tenor. Tiempos difíciles vendrán, pero eso es ya El Crepúsculo de los Dioses.
Si proverbial es la ceguera de un gato de escayola, su paciencia no le anda a la zaga. Palabra del árabe andalusí que procede del vocablo árabe para retaguardia, en estos tiempos modernos su uso se ha especializado en el ámbito deportivo, donde el derivado zaguero implica un jugador retrasado en su posición con intención más estratégica que por el propio desgaste del individuo. Siendo generalmente un sustantivo, no deja de ser peculiar que su origen es el de un adjetivo, pues algo individuo es simplemente algo que no se ha podido dividir, o como dicen los científicos griegos, un átomo. Hasta la llegada de la fisión nuclear los átomos eran individuos pero todavía no había individuos atómicos. Es lo que tiene la ciencia, que si bien es hija de la paciencia, tiene bastante de conocimiento pero también de sufrimiento o pathos, el étimo de paciencia con la que arrancaba esta introducción.
Y si le queda alguna al lector, de paciencia y gatos de escayola trata hoy esta viñeta.
Mientras que en occidente, un tesoro viviente es una persona cubierta de tatuajes o alguna de las sufridas mascotas de Paris Hilton, en Japón es el mayor honor que se le puede conceder a un artista de cualquiera de las 16 artes oficialmente reconocidas, incluyendo la ópera noh y el teatro kabuki.
La animación japonesa no está todavía incluida entre estas artes, por lo que Hayao Miyazaki, ganador de un óscar por El Viaje de Chihiro y autor de la película a la que homenajea la viñeta de hoy no corre peligro si se encuentra con Gollum, Sidney Fox o Jack Sparrow, los ávidos recolectores de tesoros.
El gran fondista Kazuo Oga es el autor de las portentosas acuarelas en las que se sitúan las acciones de las películas del Estudio Ghibli. Si bien el popular compositor Alfred Newman decía que nadie sale del cine canturreando el decorado, los fondos de Oga justifican ya pagar por esa sesión.
En 1988, Mi Vecino Totoro, ligeramente basada en la Alicia de Lewis Carrol y en la propia experiencia de niñez de Miyazaki, recrea un mundo fantástico pero, curiosamente, ajeno al folclore japonés.
Totoro es un troll al estilo europeo de los guardianes de puentes que son engañados por las cabras, o de la franquicia finesa de Moomin, el cual, como suele pasar con Sarah Jessica Parker, era confundido con un caballo (entiéndase como mera ilustración de otra acepción de troll; todo el mundo dudaba de la existencia de los centauros hasta que Sarah tuvo hijos con Matthew Broderick).
La transcripción japonesa de troll, “totoru” es pronunciada erróneamente por Mei, la niña protagonista, como “totoro” pero, al menos en Japón, así es más entrañable. Las úes finales en japonés pueden ser mudas, pero las demás sílabas se pronuncian con la misma intensidad, como con acento maño.
Una mujer alemana, fría e inteligente se convierte por la confianza de su antecesor en la mujer más poderosa del mundo. Pero incluso con todo su poder deberá elegir entre cumplir estrictamente su deber y mantener su puesto y su estatus indefinidamente o apostar por una estrategia que a la larga debería salvarnos a todos, aunque para ello deba sacrificar para siempre el apoyo de los suyos.
Todo esto contaba Richard Wagner en 1870 en la segunda entrega de la Tetralogía del Anillo: La Valquiria. A pesar de la celebérrima cabalgata del tercer acto, el título está en singular. (El plural de ‘die Walküre’ sería ‘die WalKüren’). La palabra, del nórdico antiguo significaría «la que elige a los muertos», debido a la extraña aficion de estas doncellas de Odín/Wotan por recorrer los campos de batalla para escoger a los héroes caídos y llevarlos al banquete perpetuo del Valhalla.
Por los trapicheos de Wotan para construirse el Valhalla, el universo se ve encaminado irreversible al Ragnarok, el fin del mundo nórdico o como se dice en Islandia, “el día de cobro de aquellos avarientos inversores europeos”. No obstante, tiene un plan B: si un héroe libre de pactos con sus enemigos actuara según sus intenciones, estaría a tiempo de salvar la parte de la biosfera que usa zapatos. Para ello, une una pareja de alta cuna, Sigmund y Siglinde que tienen tanto en común y se tienen en tan alta estima que resultan ser gemelos separados al nacer, pero no como Schwarzenegger y Danny de Vito; más parejos, si cabe.
Lo que, aparentemente sería de lo más normal entre los guepardos del Serengeti, no acaba de cuajarle a Fricka, esposa de Wotan y diosa del matrimonio y la moral y éste accede a destruir su obra amenazado a dormir en el sofá del Valhalla hasta el Ragnarok. Tras confiar su dilema a la más querida de sus hijas valquirias, Brunilda, dejará en sus manos la responsabilidad de destruir a Sigmund, condenando por ello a la Humanidad, o de salvar a Sigmund, a la Humanidad y a los dioses, pero perdiendo su puesto de trabajo en la administración y su inmortalidad con todas las retribuciones por antigüedad acumulada.
Como la cosa no andaba tan mal por esos tiempos, se toma todos los moscosos de vez y se dispone a salvar a Sigmund en su batalla, por lo que el mismo Wotan, dolorido por los muelles del sofá y la actitud desobediente de su hija, clava su lanza en el héroe y castiga a la valquiria casándola con el primero que aparezca. Al final, se apiada de ella, menos mal, y decide dormirla en un círculo de fuego que sólo un bombero o un temerario pueda atravesar.
De la relación incestuosa con Sigmund, Siglinde, que fallece en el parto, dará a luz a Sigfrido, el héroe que no conoce el miedo, ni la vergüenza, ni los semáforos, y se parece por igual a su padre y su madre, y traerá el equilibrio a la Fuerza, pero eso es otra ópera.
La música más célebre de Wagner es sin duda la atronadora Cabalgata de las Valquirias que inunda el acto tercero y ha sido utilizada como himno de batalla en contiendas reales y ficticias. Tal vez la más singular sea su versión de Apocalypse Now, donde los corceles voladores de las doncellas guerreras son sustituidas por los helicópteros de la unidad aerotransportada o de caballería aérea en la Guerra de Vietnam.
El día en que dos de las principales literaturas del planeta, la inglesa y la española, decidieron acabar definitivamente con la producción de sus dos figuras más insignes, Shakespeare y Cervantes es comúnmente celebrado como Día del Libro, (Dejan claro de quién se libraron por otra parte).
No obstante y por San Jorge, patrón místico –y más bien mítico- de la Corona de Aragón, el tradicional enfrentamiento de los archienemigos descritos en la Historia Natural de Plinio tiene lugar una vez al año entre el Caballero Aliphant de la Cerúlea Figura y un dragón invitado. Según Plinio, cuando los elefantes se acercan al agua de un lago a beber, los dragones se enroscan en su trompa y los arrastran a su trampa a las profundidades. Haciendo amigos desde la antigüedad.
Esta viñeta trae dragona, y por vocación. Posiblemente sea su sentido del humor lo que hace de Maléfica uno de los villanos más pérfidos de la filmografía de Disney. Estéticamente, La Bella Durmiente representó un cambio de imagen profundo de la nueva generación de grandes artistas que se abrió camino en los años cincuenta. La propia psicología de los personajes no difiere mucho de la forma de vida americana en su apogeo y la música, adaptación del mismo Chaikovsky, evoca ya ritmos más modernos.
Creado en 1970 por el ingeniero suizo Hans Camenzind para la electrónica Signetics, el circuito integrado temporizador 555 sigue fabricándose en un volumen de mil millones de unidades anuales.
Es un chip prodigioso en su diseño y prestaciones. Su bajo coste, sencillez y estabilidad permiten su aplicación como dispositivo oscilador en sus modos de astable, monostable y biestable. Simplificando enormemente, es un pequeño reloj suizo de ocho patas.
Desde los divisores de frecuencia que permitían formar las octavas de los sintetizadores de las primeras consolas de videojuegos a trenes de pulsos para codificar comunicaciones digitales, el 555 tiene un amplio espectro de uso y su concurso propio de aplicaciones.
No obstante, y aunque el pequeño escarabajo negro es apodado «Circuito Integrado Máquina del Tiempo», no se conoce todavía en su utilización casos de alteración del espacio-tiempo que justifiquen el alias. Pero, tal vez, si sustituyendo el condensador de 10nF entre control y tierra por un condensador de fluzo… [INFORMACIÓN ELIMINADA POR LA CRONOPOLICÍA ANTIANA]
P.S: No le estoy viendo mucho futuro al subgénero éste de chistes sobre circuitos integrados famosos. Es posible que no le dedique una serie.
Cuando en diversos premios se establece la categoría de “Musical y comedia” para distinguirlos del noble arte del drama, se desdeña el potencial de la música para expresar cualquier tipo de sentimiento humano, incluso la falta de humanidad.
Víctor Hugo escribió la novela que dio lugar a este musical de Claude-Michel Schönberg y a esta viñeta cantábile en una sociedad convulsa donde la supervivencia es cuestión de mínimos detalles para Los Miserables. En estos tiempos difíciles, lo único que no tiene caducidad son los yogures. Y no siempre fue así.
Un cardinal in pectore, aunque pudiera tratarse de un hematoma localizado sobre la superficie cutánea de una glándula mamaria, es un purpurado de cuya existencia únicamente sabe el Papa, principalmente por motivos de seguridad para el propio cardenal en ambientes hostiles. Si en el testamento papal no se revela su identidad, pierde su rango hasta que el próximo Papa quiera de nuevo ascenderle, a ser posible, públicamente esta vez. Esta misma figura se da en muchas empresas, si bien incluso los interesados lo desconocen. Cuatro obispos ascendieron al cardenalato por mediación de Juan Pablo II: uno en China, otro en Ucrania y otro en Letonia. El cuarto permaneció siempre oculto.
Como, al parecer, Benedicto XVI no albergaba en sí mismo ninguna promoción, y si no, y como excepción de los últimos 598 años, lo recordaría, el tema de la viñeta cambia completamente de dirección para tratar de los siete pecados capitales, o como dice Il Cavalliere, a ver qué podemos hacer hoy.
De la película Seven surge esta impactante escena final u otra que se le parece por encima, así, de lejos.
Escasas novedades, el Óscar a Director para Ang Lee, la primera intervención de una primera dama como presentadora -Grace Kelly posiblemente aparte, y un empate en edición de sonido. Disney recupera el corto de animación y conserva el largometraje a través de Pixar.
Aliphant
Actor Secundario: Christoph Waltz (Django)
Mejor Corto animado: John Kahrs – Paperman
Mejor largometraje Animación: Brave
Mejor Fotografía: Claudio Miranda – Life of Pi
Mejores Efectos Visuales: Life of Pi
Vestuario: Ana Karenina
Maquillaje: Los Miserables
Mejor Corto Documental : Inocente
Mejor Corto Ficción: Curfew
Mejor Largometraje Documental: Searching for Sugar Man
Película Habla no Inglesa: Amour (Austria)
Mejor mezcla de Sonido: Los Miserables
Mejor Edición de Sonido: Zero Dark Thirty / Skyfall
Mejor Actriz de Reparto: Anne Hattaway (Los Miserables)
Mejor Montaje: Argo
Mejor Diseño de Producción: Lincoln
Mejor BSO: Life of Pi
Mejor Canción: Skyfall
Mejor Guión Adaptado: Argo
Mejor Guión Original: Django Desencadenado
Mejor Director: Ang Lee (Vida de Pi)
Mejor Actriz: Jennifer Lawrence (El Lado Bueno de las Cosas)
Mejor Actor: Daniel Day-Lewis
Mejor Película: Argo
La Vida de Pi, película adaptada a partir de la obra del canadiense nacido en España Yann Martel, es posiblemente la de estética más espectacular de los filmes candidatos de este año al Óscar. El naufragio del barco que traslada a los animales de un zoo y a su familia propietaria es el punto de origen de esta fábula de superación protagonizada por un joven ávido de creencias que profesa tres religiones y un tigre que por un error administrativo se llama Richard Parker. Los efectos especiales siempre al servicio de la narración y de su estética y la potente banda sonora son otros de los puntos fuertes de una producción que pocos lectores apostaron a que pudiera llevarse a los cines. La fidelidad a la novela de la adaptación de Ang Lee es una proeza, si bien el poder de la imagen diluye en cierta medida la capacidad de sembrar incertidumbre de la narración original.
Un joven Aliphant vuelve a recurrir al gran felino de Watterson para exponer su punto de vista: que la cosa no es para tanto, vaya.
Los únicos cuadros que un caballero debería permitirse en su atuendo son los de su propio tartán y estrictamente para ocasiones señaladas, las cuales no incluyen ir a cortar leña al bosque o comprar en el hipermercado, salvo tal vez si se va a adquirir haggis o güisqui.
Los patrones escoceses, a diferencia de los blasones europeos, pertenecen a los clanes e identifican relaciones familiares y no de pertenencia a las clases nobiliarias. Todo escocés, sea de alta cuna o de profunda tumba, tiene derecho a su tartán. El de Aliphant por razones obvias- es el tartán tradicional del clan Oliphant & Melville, en cuadros morados y verde oscuro. El apellido está relacionado con los elefantes, faltaba más, pero su crest badge, o emblema, lleva una cabeza de unicornio con el lema en francés Tout Pouvoir, todo potencia.
1920 fue una buena cosecha de futuros escritores de ciencia ficción: Frank Herbert, creador de Dune y domador de los gusanos que engullen halcones milenarios, Isaac Asimov, uno de los tres Grandes Maestros de la Ciencia Ficción, portador del anillo élfico positrónico y por último el recientemente ascendido, Ray Bradbury.
Su obra maestra tiene nombre de electrodoméstico alemán, Fahrenheit 451, correspondiente a la temperatura en la que empieza a arder el papel de los libros. Se trata de todo un homenaje a la lectura y a los libros como objetos de culto, una distopía con una sociedad que ha anulado la literatura para evitar sufrimiento a sus miembros, pues la ignorancia suele ser un factor clave en la felicidad.
Frente a la barbarie de las piras de libros, un grupo de rebeldes espontáneos comienza a memorizar las grandes novelas de la literatura universal, en una escena portentosa que es uno de los puntos fuertes de la adaptación de Truffaut al cine. Los libros humanos pasean por un bosque, presentándose al protagonista como los textos qaue almacenan sus cabezas.
Ray Bradbury ha sido el último en partir de los tres visionarios, por lo que llegó a ver la cesión de sus obras al formato electrónico, con la consecuencia que, irónicamente, recoge esta viñeta.
En la larga historia de nuestra Civilización, desde la torre de Babel hasta la película de las Spice Girls, las catástrofes nos han devuelto la dosis de humildad que nunca debimos perder.
Hace 100 años, las heladas aguas del Atlántico se tragaron al RMS Titanic tras su primer arañazo en la pintura con un cubito de hielo de unas dimensiones de ríanse de la escarcha de sus congeladores. A dos tercios del pasaje ya no les preocupó que se perdieran sus maletas.
Con todo ello, los guionistas de Hollywood encontraron un tema fascinante para desarrollar todo su potencial narrativo. En lugar de rodar la tercera parte de «Llegada del tren a la estación» o el remake de «Viaje a la Luna», 29 días después del naufragio, la actriz y guionista Dorothy Gibson, protagonizó «Saved from the Titanic» basado en su propia experiencia como superviviente. La película, por desgracia, a diferencia de la célebre canción de Céline Dion, se ha dado por perdida, pero es todo un ejemplo de superación personal de tragedias en una época en la que el psicoanálisis todavía no había pasado la primera ITV.
Como moraleja, desconfíen de toda amenaza que no sobresalga del agua más de un noveno de su volumen total.
Si la doblemente oscarizada reina Isabel I de Inglaterra tuviera alguna influencia sobre los premios de este año, su elección, según nos demostró en Shakespeare in Love, hubiera sido la de una comedia con perro. Eso es The Artist, la primera película muda en ganar el óscar desde Alas, en la primera edición de 1927-1928 y la primera en Blanco y negro desde La Lista de Schindler en 1993.
Empate a 5 entre Hugo y The Artist:
Director, actor, vestuario y banda sonora completan el palmarés de The Artist
Efectos visuales, sonoros, sonido, fotografía y dirección artística han sido para Hugo, la lección de Scorsese de cómo usar las nuevas tecnologías.
Y Meryl Streep y Woody Allen consiguieron su cuarto óscar, dejando claro que si compiten ellos, es mejor adaptar el guión o incluso ceder el protagonismo de la película.
Un sonido de cristales rotos puede tener diversas procedencias, desde una boda judía tradicional hasta la eclosión de un huevo Fabergé, pero centrémonos en la historia de hoy.
Es el relato de una joven perturbada: vive en harapos, criando plagas domésticas que rescata de las trampas e incluso llega a introducir animales vivos en la comida de sus familiares. Dado su lamentable estado, su familia trata de protegerla en su propia vivienda, pero la enferma consigue ejercer presión a través de una madrina, y como quien tiene padrino se bautiza, será un extraño acto de nepotismo el que la extraiga de su círculo de comfort, desencadenando el desastre que vendría después, implicando incluso al próximo Jefe de Estado.
Efectivamente, eso es Cenicienta, y éste es el Especial de San Valentín 2012. Para ver los especiales de años anteriores, no duden en acercarse por http://www.aliphant.es
Cenicienta fue una apuesta de doble o nada de los hermanos Disney por salvar su estudio. Los Nine Old Men, los nueve mejores jefes animadores de Disney de todos los tiempos se repartieron escenas y personajes de esta película. Y el conjunto es increíblemente armonioso con tanto talento dispar junto. La película fue un gran éxito y vivieron felices hasta edades muy avanzadas…
Con una trama de honor, venganza y folclore, Tomás Bretón recreó en la ópera en castellano «La Dolores», la historia de una joven bilbilitana asediada por pretendientes y difamada por su expareja a través del escarnio de más hondo calado, el que tiene rima y es cantado.
La famosa «Jota de La Dolores» es más conocida por lo que insinúa, que por lo que expresa, por lo que calla que por lo que proclama a los cuatro vientos. La copla, sin más contexto, dice simplemente: «Si vas a Calayud, pregunta por la Dolores, que es una chica muy guapa y amiga de hacer favores». La intención aporta el resto.
Como la curiosa historia de esta ópera ya se trató asi casi 100 aliphants, remito a link del aliphblog correspondiente. La viñeta correspondiente con fondo ligeramente bilbilitano, utiliza la música de esta copla que, por desgracia para los afectados, no tuvo una pacífica respuesta musical como en este caso.
En Pocahontas, los poderes de la savia de la sabia Abuela Sauce no sólo alcanzan para crear medicinas, por su contenido en ácido acetil salicílico sino que la convierten en toda una autoridad en el aprendizaje rápido de lenguas. Un toque de color de viento y John Smith y Pocahontas pasan de no entender ni el recibo de la luz a discutir sobre la política de colonización del Reino de la Gran Bertaña e Irlanda.
A pesar de que se trata de una viñeta de encargo, no por ello hay que prescindir de los valores que hicieron de Aliphant lo que es: una tira cómica. Exactamente como la tira cómica de Fred Basset, pero en cómica.
Aliphant explora una de las aparentes incongruencias de El Retorno del Jedi, posiblemente debida a un fallo de traducción del huttés de C3PO, la famosa indigestión de 1000 años.
En el tablero de «Batalla Naval» los sábados y domingos han sido marcados con las piezas rojas de impactos. Los dos barcos están en posiciones inalcanzables en este calendario, más allá del 31 de agosto.
Una de las ventajas de la implantación de la telefonía por voz sobre IP en ANT es que consigue reducir el tráfico de salida a la vez que optimiza la gestión del ancho de banda, además de fomentar los valores tradicionales…
El capitel de la columna salomónica muestra solamente marcados en naranja los días laborables del mes de lunes a viernes, comenzando la primera semana en un viernes representado por una banda del dintel.
El escudo papal de Julio II, el otro protagonista de la película, era el de la familia Della Rovere, del Roble, y ha sido modificado de manera que cada rama corresponde a una semana, empezando por la izquierda y las bellotas marcan el sábado o el domingo.
Las columnas salomónicas que sostienen el gong están formadas por 15 vueltas. Las marcadas en verde brillante de las dos columnas más cercanas corresponden a los sábados y domingos, (de izquierda a derecha y de arriba a abajo).
La Dama de los Ojos Violeta, – dama, por derecho propio del Imperio Británico, dado que nació accidentalmente allí, aunque sus padres eran de Arkansas, y de ojos violeta, por una atípica falta de pigmentación cercana al albinismo que combinaba un tenue iris azul con el rojo del flujo sanguíneo ocular,- los cerró por última vez ayer.
Otras películas demostraron con creces su valía interpretativa, pero el público asociará su imagen a la de la Reina del Nilo, Cleopatra VII, en aquella película de Mankievicz de 1963 donde el gasto era faraónico y los excesos regios y que trataba del hundimiento de un imperio, el de la 20th Century Fox…
Ocho años después del primer especial de los Óscars, Aliphant vuelve a la carga desde el escenario de la película vencedora con 4 óscars aunque con un escaso margen con su mayores competidoras: Facebook (3) e Inception (4).
El Discurso del Rey es una historia de superación personal, de personajes que transcienden a su tiempo sin escapar del plano familiar y a través de sus problemas cotidianos que se convierten en los de toda una nación en dificultades.
A escasos días antes de los Óscars, volvemos a un referente cinematográfico, y a uno ya habitual, La lista de Schindler.
En una de las escenas iniciales, Oskar Schindler explica al contable Stern su idea de empresa, donde capital, trabajo, mano de obra y gestión iban a cargo de los esclavos laborales del Tercer Reich. Cuando Stern, asombrado por el modelo, se atreve a preguntar qué es lo que aportaría el director, le responde extendiendo las palmas de sus manos : «La presentación» .
Quien más, quien menos, conoce a gente cuya única aportación es aportar «la presentación», pero tal vez un día salven vidas; es una posibilidad remota, pero hay antecedentes.
Charlton Heston’s role as Michelangelo in The Agony and the Ectasy (20th Century Fox, 1965) can be remembered as the best portrait of the Italian genious. However, Rex Harrison’s Julius II is his perfect nemesis.
El papel de Charlton Heston en El Tormento y el Éxtasis ( 20th Century Fox, 1965) puede ser recordado como la mejor personificación de este genio italiano. No obstante, el Julio II de Rex Harrison es su perfecta némesis.
Combinación de dos meses del calendario amhárico del año etíope de 2003. La semana va de domingo a sábado. En rojo, los días pertenecientes al mes de enero gregoriano de enero de 2011.
El arte de Talía, la Musa de la Comedia, es difícil, pero nunca ingrato, pues tiene como recompensa la más noble de las manifestaciones humanas, la de la felicidad espontánea que es la risa.
El cómico saskatchewano Leslie Nielsen, nos ha dejado, pero en un valle de lágrimas, de las que algunas cuantas no podrán ser ya de pena.
Suponiendo que revelar ciertos detalles de una película de 1953 no debería ya ser considerado spoiler, pues quien más y quien menos ha tenido tiempo de verla, Bienvenido Mr. Marshall es el tema del homenaje del gran director Luis García Berlanga, quien tenía por costumbre incluir en todas sus películas la palabra compuesta austrohúngaro , incluso aunque viniera al caso.
Scott Fitzgerald’s Tale about a person who was born as an old men and grew younger and younger every day was converted in 2009 in a successful film with the title «The Curious Case of Benajmin Button». Here you are Aliphant’s version.
El cuento de Scott Fitzgeral sobre un hombre que nació como un anciano y fue rejuveneciendo año tras año se convirtió en 2009 en una película de éxito con el título «El extraño caso de Benjamin Button». Aquí está la versión de Aliphant.
Uno de los temas más interesantes de la tragedia shakespeariana Macbeth es que la proclamación de una oscura profecía provoca un desenlace de los acontecimientos que terminan haciendo que la propia profecía se cumpla, cuando de haber permanecido oculta hubiera sido bastante improbable.
Reconocido por la propia autora J.K. Rowling, admiradora de esta obra, existe una revisión de este fenómeno en la serie de Harry Potter.
El especial de Halloween, incluye referencias a la obra; con su aquelarre de las tres extrañas féminas, sus paradojas entre le bien y el mal y una visita sobrenatural o casi de ultratumba. Los textos de Shakespeare han sido traducidos de nuevo al español, ya que las versiones habituales u omiten el sentido preciso o no le dan el ritmo que deberían tener; de ahí este nuevo intento, que en la versión inglesa de la viñeta no se requiere.
This story began on holidays. Aliphant as Prince Eric found a mermaid, or he perharps did not. In any case, he could be no more on holidays.
Esta historia comenzó en vacaciones. Aliphant, como el príncipe Eric encontró una sirena, o tal vez no lo hizo. En cualquier caso, puediera ser que ya np estuviera de vacaciones…
Fluvi was the official mascot of the International Expo of Zaragoza 2008, a male drop of water to iconize the main theme of the exhibition. The strip also makes reference to the film Harvey (1950), a fantastic story about a good but eccentric man who befriends a human-size rabbit whom he sees everytime he drinks.
Fluvi fue la mascota de la exposición internacional de Zaragoza 2008, una gota de agua masculina que representa el tema principal de la exhibición. La tira hace referencia también a la película de 1950 «Harvey», donde un buen hombre algo excéntrico se hace amigo de un conejo de tamaño humano que ve cada vez que bebe.
La antigüedad se une a la de ficción en este medio siglo de vida de la comedia animada más exitosa con el permiso de de Los Simpson, con seis temporadas, spin-offs, varias películas, numerosos especiales de televisión y dos parques temáticos.
Fuente inagotable de anacronismos mastodónticos, la vida cotidiana de los Picapiedra y sus vecinos los Mármol evolucionaba con la naturalidad de la sociedad americana de los años 60, aunque tal vez con la añoranza de los vetustos 50.
La viñeta de hoy es un homenaje en la figura de los antepasados del Plioceno de Aliphant y Qoph de los inmortales personajes de Joseph Barbera y William Hanna, con su peculiar forma de entender los anacronismos.
Incluso el propio Beethoven se adelantó a su tiempo al adivinar lo que sería la famosa tonadilla ‘Meet the Flintstones» en su sonata para piano número 17:
This is a tribute to Mortadelo & Filemón, (Mort & Phil in the English version), the great comic characters created by the Spanish artist Francisco Ibáñez.
Este es un tributo a los geniales personajes Mortadelo y Filemón (Mort y Phil en su versión inglesa) creados por el artista español Francisco Ibáñez.
The longest-running animated sitcom must be honored with a simulator for dysfunctional families: the Sim-psonsLa comedia de situación más longeva debía ser homenajeada con un simulador de familias disfuncionales: Los Sim-pson
Tratándose de una película que profundiza en la aplicación de las técnicas de realidad virtual a los sueños, no podía faltar la adaptación aliphantiana de Inception: ANTception
Tras un ataque nocturno y alevoso de unos asesinos silenciosos que me han chupado más sangre que en toda la saga de Crepúsculo, mis pesquisas desveladas se han dirigido a cómo terminaron los famosos Ninja, los espías-asesinos más misteriosos del Japón feudal.
Los shinobi o ninja fueron espías y asesinos sin los límites éticos de los samuráis, de manera que procuraban ser invisibles y atacar de forma indirecta, mediante explosivos o venenos. Su rastro se diluye en el siglo XVII, durante el shogunato del clan Tokugawa, cuando el espionaje fue modernizado y colocado al servicio de la dictadura feudal. La formación de un ninja era demasiado compleja para los nuevos tiempos, incluyendo conocimientos de técnicas bélicas, artes marciales, farmacología, química para explosivos, astrología, equitación, esgrima, natación y buceo,…
En el siglo XIX los ninja eran ya personajes de ficción en Japón, y se forjó en los grabados el estereotipo de que siempre vestían de negro, cuando la realidad es que se disfrazaban para pasar desapercibidos y vestían de oscuro como camuflaje en operaciones nocturnas.
Al final, la especialización terminó con los ninja, pero, lamentablemente, no creo que eso ayude en la eliminación de mi problema. De todas formas, de ahí sale esta viñeta de temática Ninja y un Aliphant disfrazado de Naruto: Naruphanto.
Se habla de la revolución digital que John Lasseter llevó a la gran pantalla, pero tal vez un término más preciso sería el de evolución.
Formado en la Instituto CalArts que fundó el propio Walt Disney para proporcionar formación a sus empleados y alumno de tres de los Nueve Ancianos, Lasseter tenía por delante la misión de llegar con la animación donde jamás antes nadie había llegado.
No obstante, sus premisas son las mismas que las del gran Walt hace 90 años, un guión brillante, un ritmo prácticamente musical, lograr lo técnicamente imposible hasta el momento y que por cada lágrima haya una sonrisa y viceversa.
En 1993, Steven Spielberg dio un giro a su carrera narrando la historia de Oskar Schindler, un Justo entre las Naciones, que salvó a más de 1200 judíos del Holocausto mediate su tapadera de una fábrica de armamento con mano de obra esclava.
Sus escenas ilustran la tragedia y el sufrimiento, pero también el coraje y la esperanza. A muchos conmovió esta película. A la nueva Directora de Recursos Fórmicos de ANT, en cambio, la inspiró.
Existe una norma peculiar de ANT que dice que todo nuevo jefe de Recursos Fórmicos debe haber visto a todos los empleados de los que se hace cargo. Una norma que fue más del gusto -valga cualquier sentido- del director anterior que de la actual.
Tosca es una de las óperas más sobrecogedoras de Puccini. Sus arias son empáticas, muestran dolor, sufrimiento, empatía pero también humor, impotencia y arrojo. Ningún sentimiento es tenue en su música.
En la viñeta siguiente, Aliphant interpreta la despedida del pintor protagonista Cavaradossi en el tercer acto, o lo que se ha popularizado como «Adiós a la vida». El texto citado es el siguiente:
E lucevan le stelle (Y lucían las estrellas)
Ed olazzava la terra… (y sentía el aroma de la tierra)
Stridea l’uscio dell’orto (rechinaba la puerta del huerto)
Ed un paso sfiorava l’arena (Y una pisada hollaba la arena)
A tribute to the great Academy Award-winner movie «Somebody flew over the cuckoo’s nest»Un tributo a la gran película ganadora del Óscar: «Alguien voló sobre el nido del cuco»
The Academy Awards for year 2006 were quite weird. Al Gore’s documentary film and the Mexican fantasy film Pan’s Labyrinth were more interesting than the winner itself, The Departed.
Los Oscars del año 2006 fueron bastante extraños. El documental de Al Gore y la película de fantasía mexicana, El Laberinto del Faunocobraron más protagonismo que la ganadora, Infiltrados.
The music of The Street Where you Live from My Fair Lady must be used to understand the romantic song Aliphant is singing, like Freddy in front of Professor Higgins’ door.
La música de «En La calle donde vives», de My Fair Lady debe utilizarse para la canción de Aliphant, al estilo de Freddy frente a la puerta del Profesor Higgins.
A film that started as a thematic park ride is nothing else as a good starting point. What could it become with a deeper story?
Una película basada en una atracción de parque temático no puede ser otra cosa que un buen punto de partida. ¿Qué se hubiera obtenido con un argumento más sólido?
Ante la inesperada baja de Qoph, la Reina-CEO de ANT, Bethant, no duda entomar cartas en el asunto y conceder una audiencia a Aliphant, aunque sea desde la seguridad que la distancia de la tramisión holográfica le proporciona.
Hayao Miyazaki’s masterpiece Howl’s Moving Castle evokes a world of Fantasy and Mechanics, with flying engines and magical powers, remotely based on Diana Wynne Jones’s stories
La obra de arte de Hayao Miyazaki, el Castillo Ambulante, evoca un mundo de fantasía y mecánica, con artefactos voladores y poderes mágicos, remotamente basado en las historias de Diana Wynne Jones
Hayao Miyazaki’s masterpiece Howl’s Moving Castle evokes a world of Fantasy and Mechanics, with flying engines and magical powers, remotely based on Diana Wynne Jones’s stories
La obra de arte de Hayao Miyazaki, el Castillo Ambulante, evoca un mundo de fantasía y mecánica, con artefactos voladores y poderes mágicos, remotamente basado en las historias de Diana Wynne Jones
Bigelow, la ex de James Cameron, se llevó la primera estatuilla a una Directora con la película candidata menos vista en los últimos 50 años. Acumuló 6 óscars, entre ellos, el de mejor película, «En Tierra Hostil».
Avatar, la más taquilera de la Historia, en cambio, sólo se lleva 3: fotografía, efectos visuales y diseño artístico. Empatan Up, Crazy Heart, y Precious con sólo 2 óscars.
Y Sandra Bullock, a lo Halle Berry, empalma el premio a la peor actriz con el de la mejor.
Al menos Argentina se lleva a casa el premio de habla no inglesa.
En la mágica atmósfera del carnaval de Nueva Orleans, la historia con la que Disney ha resucitado con honores el género de la animación 2D musical. Tiana y el Sapo, (The Frog and the Princess), parece la referencia idónea para la fiesta de San Valentín de este año.
If, as says the genius’ song from Aladdin, «There is no friend like me», it is also true that there is no genius like Aliphant, whatever Qoph dares to say….
Si como dice la canción de Genio de Aladdin, «No hay un genio más genial», es también cierto que no hay un genio como Aliphant, diga lo que diga Qoph.
The Academy Awards night of 2004 (celebrated in 2005) was a fight between two quite different movies: The Aviator, based on the Howard Hughes’ life and a self-portrait of the classical cinema and Million Dollar Baby, that gave the emotional accent and the controversy and finally obtained the Best Movie award. The Spanish movie The Sea Inside has a similar theme and also won as Foreign Language film.
La noche de los premios de la Academia de 2004 (celebrados en 2005) fue una contienda entre dos peliculas muy diferentes: El Aviador, basada en la vida de Howard Hughes es un autorretrato del cine clásico. Million Dollar Baby puso el punto emocional y la controversia y finalmente se llevó el óscar a la mejor película. La española Mar Adentro, que aborda el mismo tema, se llevó el óscar a mejor Película de Habla no Inglesa.
In 1605, the finest book in Spanish fixed the language for the next generations thanks to its quick spread and huge success. Humour is more powerful than rules, it’s to say.
En 1605, el mejor libro en lengua española fijó el idioma para las siguientes generaciones gracias a su rápida expansión y un éxito enorme. Se puede deducir que el humor es más poderosos que las normas.
Tale as old as time… The Beauty and The Beast is one of the beast movies in all the times and was created with a talented group of artists who started a new golden age for the art of animation.
Una historia tan antigua como el mismo tiempo… La Bella y la Bestia es una de las mejores películas de todos los tiempos y fue creado por un grupo de talentosos artistas que originaron una nueva Edad de Oro en la historia de la animación.
This strip was created short time after Christopher Reeve passed away, nowaday five years ago, as a humble hommage for the life and example of a true hero.
Esta viñeta fue creada poco después de que falleciera Christopher Reeve, hace cinco años, como un humilde homenaje a la vida y ejemplo de un héroe real.
En 2007, el estudio Disney hizo una apuesta por combinar segmentos de imagen real con otros de animación clásica en una historia de respetuosa autoparodia que se denominó Encantada (Enchanted).
Dentro de esta película que combina comedia romántica, fantasía y animación, hay unas espectaculares secuencias que imitan a los libros de pop-up, aquellos que adquieren una tercera dimensión con las estructuras de papel doblado que se autoerigen a los ojos del lector cuando este pasa sus páginas. Algo de magia hay en todo ello… y así se presenta diciembre.
CALENDARIO DE DICIEMBRE
El último mes del año es una especie de cuenta atrás donde los domingos -en negro- apenas da tiempo a dedicarlos al descanso….
La Academia estadounidense ha tenido la deferencia de homenajear a una de sus olividadas que, mal que les pese, ya estaba por encima de dicha condecoración. Por otra parte, continúa el tema de la viñeta anterior con un nuevo actor para el spot de ANT.
«El mundo lo heredarán los pesimistas, y les parecerá mal». Extracto de la «Enciclopedia Antiana para Despabilados» para la voz «Postrimerías de Omant Elmo», por cortesía del Sr.Omant Elmo.
En 2007, el estudio Disney hizo una apuesta por combinar segmentos de imagen real con otros de animación clásica en una historia de respetuosa autoparodia que se denominó Encantada (Enchanted).
Dentro de esta película que combina comedia romántica, fantasía y animación, hay unas espectaculares secuencias que imitan a los libros de pop-up, aquellos que adquieren una tercera dimensión con las estructuras de papel doblado que se autoerigen a los ojos del lector cuando este pasa sus páginas. Algo de magia hay en todo ello… y así se presenta diciembre.
CALENDARIO DE DICIEMBRE
El último mes del año es una especie de cuenta atrás donde los domingos -en negro- apenas da tiempo a dedicarlos al descanso….
El primer gran duelo entre aquel-que-no-puede-ser-nombrado y aquel-que-está- continuamente-siendo-nombrado tiene lugar en El Cáliz de Fuego, (Warner Bros, 2005).
La principal conclusión que se extrae de tal acontecimiento es que a la hora de entablar un duelo es muy importante elegir las armas adecuadas…
CALENDARIO DE NOVIEMBRE
En el duelo mágico se producen destellos que equivalen a los cambios de semana. El primer haz desde la varita de Aliphant es un domingo y el primero de la varita de Sameck el último lunes del mes.
Este año, el Especial de Hallowen no está dedicado a una película de terror, sino que se une al quincuagésimo aniversario de Astérix que es un referente colosal para todos los que juntamos dos líneas y les pintamos ojos. (Incluso para los que lo hacen bien). Y es verdad, tal vez haya un cameo quiróptero…
The Agony and the Ecstasy (20th Century Fox, 1965) es una adaptación de Carol Reed de la novela del mismo nombre que se centra en la gestación de la pintura del techo de la Capilla Sixtina así como de los conflictos entre el artista Miguel Ángel y su mecenas el Papa Julio II.
La tensión entre ambos corre a cargo de Charlton Heston y Rex Harrison que fraguaron dos personajes memorables que acaban comprendiéndose ye incluso admirándose el uno al otro a pesar de su fuerte antagonismo.
La banda sonora de Jerry Goldsmith y Alex North fue candidata en el año de Doctor Zhivago y Sonrisas y Lágrimas , así que no es de extrañar que se fuera de vacío también en sus otras cuatro nominaciones.
Lo cierto es que la última aventura de Aliphant estaba tardando tanto en terminarse que me recordó las pocas ganas que el gran Tolkien tenía de clausurar su fantasía épica de El Señor de Los Anillos.
Reconstruyendo la madriguera del hobbit es posible recrear el ambiente de la última película de la trilogía, la de los mil finales…
Como ya había demostrado en la espectacular pero bastante más distante «Encuentros en la Tercera Fase» la visión de Spielberg de cómo sería el primer contacto con un ser de otro planeta difería bastante de la visión tradicional de invasores marcianos.
E.T., el Extraterrestre aborda el tema desde un plano más familiar y humano, desde el ángulo de unos niños que, a su vez, pertenecen a un mundo distinto al de los adultos.
Una de las escenas más memorables de E.T. transcurre en Halloween, de ahí que sea el mes de octubre el que representa esta película.
CALENDARIO DE OCTUBRE
En el intercomunicador de E.T. aparecen unos botones dispuestos a modo de calendario de lunes a domingo y con los últimos en rojo.
The almost infinite possibilities of a Stargate or Chapa’hai that can be seen in the movie and in one of the longest Sci-Fi series of all the history of TV, most include this energy saving measures taken by ANT corporation…
A las casi infinitas posibilidades de un Stargate o Chapa’hai que pueden verse en la película, o en una de las series de telivisión más duraderas de la Historia, debe añadirse la del ahorro energético que realiza la compañía ANT.
El origen de la nueva edad dorada del cine de animación se encontró sin lugar a dudas en la apuesta de jóvenes directores de Disney, Ron Clements y John Musker de 1989, «La Sirenita».
Discípulos del maestro Frank Thomas, uno de los míticos Nine Old Men, algo así como los nazgûles de Disney, pero en el buen sentido de la palabra, recuperaron con la ayuda de otro dúo artístico formado por los músicos Menken y Ashman la esencia de las películas clásicas, rompiendo con la idea de las producciones previas del estudio de que había que enfocar sus mensajes a una edad determinada.
CALENDARIO DE SEPTIEMBRE
Sobre las siete maromas de estribor se representan los días de la semana. La séptima que está suelta, es para el domingo. Cada nudo indica un día.
Jackson’s Trilogy of The Lord of the Rings put a huge effort in all their artistic creations. There is a lot of passion and this feeling is transferred through the screen
La trilogía de el Señor de los Anillos de Jackson puso un enorme esfuerzo en sus creaciones artísticas. Hay mucha pasión en ella y se transmite a través de la pantalla.
El calendario de agosto presenta escenas de la sabana africana y príncipes hamletianos condenados a vengarse de los usurpadores del trono a pesar de que no hay nada como retozar en la hierba y comer gusanos.
Creada en 1994 por el estudio Disney, no tardó en convertirse en su mayor éxito de taquilla e incluso en un musical de Broadway.
El calendario muestra una estampida de ñúes y cebras. Se lee de delante a atrás y de derecha a izquierda. Las cebras representan los domingos.
A Beautiful Mind was the Best Picture in 2001 with a mixture of maths, spies and a very weird main role. This is the hommage to Ron Howard’s movie.
Una Mente Maravillosa fue la mejor película en 2001 con una mezcla de matemáticas, espías y un protagonista realmente raro. Este es el homenaje a la película de Ron Howard.
One of the funniest impersonations of the blue elephant, as Obelix the Gaul, the menhir-bearer from the Gaulish village that resists now anf forever to the Roman invaders. Goscinny and Uderzo’s creation is perhaps the most important European comic in History. And it was a pleasure to draw each inch of this strip.
Una de las caracterizaciones más divertidas del elefante azul, como Obélix el portador de menhires de la aldea gala que resite ahora y siempre al invasor romano. La creación de Goscinny y Uderzo es quizás el cómic europeo más importante de la Historia. Y fue un placer pintar cada centímetro de esta viñeta.
Por segundo mes consecutivo, aparece una película de 1975, si bien está claro que sólo la anterior se llevó el Óscar de ese año a mejor película, el blockbuster de Spielberg ganó en tres categorías, incluyendo la música acuática de John Williams.
Dentro de los iconos de terror de esta película, tal vez el más mezquino sea el de la escena en que el capitán Quint irrumpe en la sala de juntas arañando una pizarra. De ahí el calendario en forma de matrices pintadas con tiza.
El calendario agrupa de la forma tradicional los días:
La pizarra muestra una ecuación matricial. La matriz 5×5 muestra los días de lunes a viernes. El vector multiplicando 1×5 corresponde a los sábados y el vector resultado, al otro lado de la ecuación a los domingos.
The famous monolog from Blade Runner, Ridley Scott’s masterpiece is adapted to Kaph’s experience in the first coloured strip in Aliphant’s series.
El famoso monólogo de Blade Runner, la obra maestra de Ridley Scott es adaptada a la experiencia de Kaph en la primera viñeta en color de la serie de Aliphant.
Aliphant in manga-style. Based on Kurumada’s series of neo-mythological heroes that always quarrel till the last drop of blood. Well, it should not so easy to stage it on an office.
Aliphant al estilo manga. Basado en las series de Kurumada de héroes neo-mitológicos que peleaban hasta la última gota de sangre. Bueno, tal vez no sea lo más fácil de escenificar en una oficina.
El cuco de madera es un bichejo leñoso que habita los relojes suizos construidos en China y que tiene por costumbre asomarse a intervalos regulares a proferir insultos en su propia lengua a los individuos que los contemplan embobados. Cuando alguien sobrevuela su espacio aéreo, el cuco puede lanzarle las piñas de contrapeso a modo de misil tierra-aire recuperable gracias a la cadena que les une a la base del centro de lanzamiento.
No obstante, la última vez que alguien voló sobre el nido del cuco, allá por 1975, un delincuente con enorme parecido con Jack Nicholson se hizo pasar por enfermo mental para evitar la cárcel sin dejar de vivir a costa del contribuyente. La tensa relación odio-odio con la enfermera Ratched y los intentos del falso loco por desestabilizar su disciplinado reino de calmantes y terapia de grupo acabarán con la recolección de los cinco Óscars principales (los Big Five) y una obra clásica producto del empeño de Saul Zaentz, de la técnica de Milos Forman y del dinero de Michael Douglas.
Calendario en disposición vertical cada columna es una semana empezando en lunes. Las pastillas rojas y blancas son la unidad. Las amarillas y blancas 5 unidades, las verdiblancas 10, las celestes 20 y las azules 30, de manera que hay que calcular la dosis necesaria para cada día.
This is a story about how the good ideas end up in nothing. The reference to Raiders of The Lost Ark can also be updated with the fourth film of the Indiana Jones’ saga.
Esta es una historia sobre cómo terminan las grandes ideas. La referencia a El Arca Perdida puede actualizarse con la cuarta película de la serie de Indiana Jones.
En una tira de homenaje nada debe dejarse al azar. Aypbee y Aliphant representan a los perros protagonistas de La Dama y el Vagabundo pero al tratarse de animales que no son antropomórficos carecen de un vestuario para imitar.
De ahí que la ropa que llevan sea del color de los cánidos protagonistas y las texturas simules el grosor de su pelaje.
Imaginación: algo tan difícil de definir como de cuantificar. Se sabe cuando falta o cuando es escasa y cuando se tiene demasiada y cuando sobra. Pero nadie a ciencia cierta sabe cuál es la cantidad exacta de imaginación que cada mente debe atesorar y administrar en su interior.
La imaginación, cuando hace acto de presencia, es siempre desbordante, exuberante, brota a raudales huyendo de un cauce que nunca pudo estar seco, porque la imaginación, por mucho que nos pueda sorprender en nuestros estereotipos verbales, nunca ha tenido límites.
Y no hay que usar mucha imaginación para deducir, que este es el tema de la tira de hoy: Un Paseo por las Nubes.
Esta historia es de aquellas que no convierten al mundo en un lugar peor, y más teniendo en cuenta que aquellos que se dedican a convertir el mundo en un lugar peor tampoco se ocupan de leer estas historias. Dicho lo cual, procedamos.La película My Fair Lady, ganadora de ocho Óscars del año 1964 es en realidad el remake musical de otra película que se llama Pygmalion protagonizada y dirigida por Leslie Howard, el amor platónico de la joven Escarlata de Lo que el Viento se Llevó, que rodó al año siguiente en 1939. Trata, como es sabido, de segundas oportunidades, de la posibilidad de cambiar nuestro destino cuando hay voluntad y medios para mejorar y de las distintas formas de entender la felicidad. Y es de esas películas en las que el lingüista se queda con la chica, algo común en el cine de ficción: Stargate, Indiana Jones, Atlantis…
El guión de la versión de 1938 lo adaptó el propio autor de la obra teatral, Pygmalion, el gran dramaturgo y lingüista George Bernard Shaw, referencia literaria mundial y ganador del del Premio Nobel de Literatura. Le hizo, al parecer a su pesar, llevarse el Óscar al Mejor Guión adaptado, por lo que se convirtió así en una especie de Al Gore de tiempos remotos. (Esta historia contiene a veces una sutil ironía, se debió advertir).
Pues bien, el personaje principal de Pygmalion y sus adaptaciones es el profesor Higgins, insigne lingüista fonetista de excentricidad entre apática y misógina. El profesor estaba inspirado en un lingüista real, creador de su propio alfabético fonético que en lugar de ser el alfabeto Higgins es el Visible Speech de Alexander Melville Bell. De hecho en la película de George Cukor, los diagramas fonéticos que se muestran son los del propio Bell.
Al Sr. Bell le sonó la campana y decidió crear un alfabeto para ayudar a los sordos de nacimiento a hablar, pues representa gráficamente los elementos constituyentes de cada sonido: cuánto abrir la boca o cómo colocar la lengua y los dientes para cada sonido.El Visible Speech de Bell es la base para lo que se convertiría en el alfabéto fonético internacional, y tiene aún más sentido teniendo en cuenta que como Bernard Shaw, Bell parecía preocupado por el abismo que separa la pronunciación de la escritura inglesa.
El hijo del Sr. Alexander M. Bell, quiso continuar la tarea de su padre llegando un poco más allá. Podía registrar el sonido y reproducirlo después de descomponer sus ondas acústicas y convertirlas en eléctricas. De hecho, sustituyó los símbolos por espectroscopías de los sonidos emitidos. Por supuesto que este señor era Alexander Graham Bell, el gran inventor al que debemos las llamadas a cualquier hora del día para ofrecernos un cambio de compañía telefónica y las tarifas a final de mes.
Dentro del cartel original que recopila los símbolos del Visible Speech de Alex Melville Bell, la figura 2 tiene 4 columnas de ocho caracteres consonánticos. Se tacha el último porque Mayo tiene 31 días y se subraya sábados y domingos. Se lee en horizontal de izquierda a derecha y de arriba a abajo. Sencillo, si se avisa de dónde mirar.
Hay fuente innegables en todo proceso creativo. Pero, ¿qué sentido tiene negarlas cuando además uno está orgulloso de sus influencias? Este año que Aliphant llega al lustro, cumplen Mortadelo y Filemón su medio siglo de existencia.
Las portadas de los copiosos álbumes del genial Ibáñez marcaron desde un principio la pauta de las tiras de Aliphant: toda la acción se desarrolla en una viñeta, los antecedentes se deducen por el contexto y la conclusión se deja a la lógica del lector. Los malentendidos son fundamentales para crear humor y, en cierta forma, hay un choque dialéctico entre los personajes que exponen cada situación, y suele salir siempre el mismo trasquilado.
La Guía del Autoestopista Galáctico es la clave para entender el Aliphant de hoy. Compuesta por Douglas Adams en un peculiar género de ciencia ficción cómica desvela los misteriosos planes de la especie más inteligente de la Tierra. Lástima que sólo seamos la tercera.
E.T. el Extraterrestre (Universal, 1982) es una obra clave que atestigua la desbordante vitalidad cinematográfica de un joven Spielberg con ganas no sólo de comerse Hollywood sino de crear lo que nunca jamás nadie había sido capaz de hacer.
Su iconografía es tan similar a la de Encuentros en la Tercera Fase que podría pensarse en que son dos visiones del fenómeno extraterrestre complementarias.
Así que cuando los detractores de la cuarta entrega de Indiana Jones se rasgan las vestiduras por su tema, tal vez debería recordar cómo se forjó su director.
Dicen que quien se defiende a sí mismo es el cliente de un loco. Como en este caso se trata de un otro yo de otra dimensión, tal vez no sea tan apropiado el dicho. Siguiendo con la parodia de la viñeta anterior, Aliphant se disfraza de Azur Trumpetmore.
Obsérvese que la corbata de Aliphant lleva los colores de la Casa de Griffindor, en alusión al juicio del aprendiz de mago.
Parodiando la escena de Harry Potter y la Orden del Fénix, es el turno de Aliphant de responder por los actos que condujeron a su expulsión de ANT. Comienza un juicio de tres viñetas donde la verdad debera salir a relucir.
Cuando Stanley Kubrick consiguió adaptar un relato corto de Arthur C. Clarke llamado El Centinela y revolucionar la ciencia ficción moderna aún corría el año 1968. Un año antes incluso de pisar el hombre la Luna, ya andaban fantaseando en la posibilidad de que un ordenador te dejase tirado de camino a Júpiter.
En pleno siglo XXI, la realidad es que un ordenador te puede dejar tirado en casi cualquier parte del mundo e incluso en cualquier sonda espacial a millones de kilómetros del planeta.
El calendario de Abril trae los números binarios en displays de siete segmentos ordenados en columnas que vienen encabezadas por la imagen de los astros que dan su origen a cada día de la semana. Valga como homenaje a este año internacional de la Astronomía.
Tras perder la apuesta, Aliphant debe disfrazarse de miembro de los X-Men para ir a trabajar, aunque eso le suponga cierto quebraderos de cabeza -o de trompa.
Aliphant apuesta con Qoph a que es capaz de arreglar una televisión de plasma de tamaño absurdamente grande que se le ha colapsado. Lamentablemente, los métodos que conoce Qoph los aprendió en cierta película de terror de la mano fantasmal de Spielberg.
Alguien voló sobre el nido del cuco… Una película tan atípica como su propio título y con unos actores y un equipo que se llevaron los cinco oscars principales de la 48ª edición.
La crueldad de la enfermera interpretada por Louise Fletcher explica aquí las razones de Aliphant para no dejar la cafeína.
Apenas una semana después de las estatuillas doradas volvemos a una tira que fue un especial de 2006. En ese año, el premio grande se lo llevó Infiltrados, de Martin Scorsese, en una especie de compensación académica por películas mucho más lúcidas. El Laberinto del Fauno tuvo una presencia más que honrosa pese a su lejanía de Hollywood y el documental de al Gore, futuro Emperador de la Luna e inventor de la ecología siempre según Futurama, se llevó un premio al que siguieron otros muchos, incluyendo el Emmy, el Grammy, el Príncipe de Asturias y un premio Nobel de la Paz de esos.
Otra de las viñetas musicales para San Valentín. En este caso con la música y la ambientación del tema «On the Street where you live» de la película My Fair Lady (1964).
Un musical de cenicientas con lingüistas basado en la obra teatral Pygmalion de George Bernard Shaw. En realidad, se trataba de la tercera versión cinematográfica. La segunda, que no fue musical y fue protagonizada por Leslie Howard en 1938, fue adaptada por el propio autor y cuando le concedieron el óscar, mostró su indignación por recibir un premio por hacer su trabajo.
Una serie de animación que ha batido todas las marcas de longevidad de una comedia de situación o de su propio género animado.
En 1989, la trama encumbraba las fechorías de un diablillo sin escrúpulos llamado Bart que se creía el centro del Universo. Veinte años después, la mediocridad mezquina de su progenitor, Homer, hace de esta comedia su principal atractivo. No suele ser común que un cambio de personaje protagonista se produzca dentro de una serie, pero el título genérico de Los Simpson, así lo permitía.
Con 20 temporadas y 430 episodios que son constantemente repetidos, la productora Fox, vio la necesidad de lanzar una película directamente a la gran pantalla con el nada original título de «Los Simpson: La película« (The Simpsons: The Movie, 2007, 20th Century Fox), que, al menos, permite enlazar la serie a este calendario de referencias cinematográficas.
El calendario es de una simplicidad homersimpsoniana y además tiene apetitosas rosquillas (rosquillas, aaargh) en lugar de ceros.
La cualidad singular de un ser humano que nació viejo y murió siendo un bebé sugiere, aparte del hecho ya de por sí extraordinario de burlar las leyes de la ciencia, la necesidad de formular dos nuevos verbos para uso y disfrute únicamente del Sr. Benjamin Button -y tal vez de Cher: enjuvenecer y revejecer.
Readaptada la historia casi sesenta años más tarde de la era imaginada por Francis Scott Fitzgerald en su relato corto, la existencia de Benjamin recorre las décadas que cubrió como un mero espectador, alejándose del anhelo protagonista del otro gran testigo de la Historia contemporánea americana llamado Forrest Gump. Si bien «tonto era el que hacía tonterías»para el de A-la-ba-ma, para Benjamin, la edad es la que va por dentro.
Como no podía ser menos, los niveles de flash-backs se superponen en una cebolla interminable -recurso, por otra parte, ya explotado, aunque escasamente reconocido, desde tiempos de Don Quijote de la mano restante de don Miguel de Cervantes. Verbigratia: una anciana en medio del desastre del Katrina evoca los recuerdos de un libro de memorias que pide leer a su hija donde se describe que un viejo cuenta a su compañero de cuarto que una vez le cayó un rayo cuando iba en un coche…
No obstante, dado que el oscilante ritmo de la película impide un desarrollo adecuado de la narración, el resultado no es merecedor del enorme esfuerzo volcado en su creatividad, ambientación, dirección artística y su energía vital.
Considerados pros y contras, he aquí la versión del extraño caso de Benjamin Aliphant, que no por quedar apartada su referencia del palmarés desmerecía tal «agravio»…
En la gala presentada -y cantada- por Hugh Jackman, se bromeó reiteradamente sobre la crisis y la economía llegó a la reutilización de presentadores que llegaron a otorgar hasta cuatro premios seguidos o de un supuesto escenario que, a cambio mostraba interesantes novedades técnicas… Los montajes, que habitualmente introducen las películas candidatas se dedicaron a promocionar las películas de 2008 en sus diferentes géneros).
También se rompió el protocolo de que el actor ganador el año anterior presenta el oscar del año siguiente para la actriz de su categoría y viceversa. Un grupo de cinco antiguos ganadores hacía los honores -y bastante peloteo pegajoso- a los candidatos.
Mejor Actriz de Reparto: Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona). (2ª Nominación)
Mejor Guión Original: Dustin Lance Black (Mi Nombre es Harvey Milk) (1ª Nominación)
Mejor Guión Adaptación: Simon Beaufoy (Slumdog Millonaire) (2ª Nominación)
Mejor Largometraje de Animación: Andrew Stanton (WALL-E) (4ª Nominación)
Mejor Cortometraje de Animación: Kunio Kato (La maison en petits cubes) (1ª Nominación)
Mejor Dirección Artística: Donald Graham Burt & Victor J. Zolfo (El Curioso Caso de Benjamin Button) (1ª Nominación)
Mejor Vestuario: Michael O’Connor (The Duchess) (1ª Nominación)
Mejor Maquillaje: Greg Cannom (El Curioso Caso de Benjamin Button) ( 9ª Nominación, 3er Oscar)
Mejor Fotografía: Anthony Dod Mantle (Slumdog Millonaire) (1ª Nominación)
Mejor Cortometraje de Ficción: Jochen Alexande Freydank (Spielzeugland) (1ª Nominación)
Mejor Actor Secundario: Heath Ledger (El Caballero Oscuro) (2ª Nominación)
Mejor Documental: James Marsh and Simon Chinn (Man on Wire)(1ª Nominación)
Mejor Corto Documental: Megan Mylan (Smile Pinki) (1ª Nominación)
Mejores Efectos Visuales: Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton (1ª Nominación) y Craig Barron (2ª Nominación) (El Curioso Caso de Benjamin Button)
Mejor Montaje de Sonido: Richard King (El Caballero Oscuro ) (3ª Nominación, 2º Oscar)
Mejor Mezcla de Sonido: Ian Tapp, Richard Pryke y Resul Pookutty (Slumdog Millionaire) (1ª Nominación)
Mejor Montaje: Chris Dickens (Slumdog Millionaire) (1ª Nominación)
Premio Jean Hersholt: Jerry Lewis.
Mejor Banda Sonora Original: A. R. Rahman (Slumdog Millionaire) (3 Nominaciones)
Mejor Canción: «Jai Ho». A. R. Rahman /Gulzar (Slumdog Millionaire) (3 Nominaciones)
Mejor Película de Habla no Inglesa: Departures. (Yojiro Takita, Japón)
Mejor Director: Danny Boyle (Slumdog Millionaire) (1ª Nominación)
Mejor Actriz: Kate Winslet (The Reader) (6ª Nominación)
Mejor Actor: Sean Penn (Mi Nombre es Harvey Milk) (5ª Nominación, 2º Oscar)
Mejor Película: Christian Colson (Slumdog Millionaire) (1ª Nominación)
CALENDARIO ALIPHANT DICIEMBRE 2009
CALENDARIO ALIPHANT NOVIEMBRE 2009
Aliphant XXXVIII. Hamlet
Calendario Aliphant Julio 2009
Calendario Mayo 2009 
