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Mary Poppins Returns

Probablemente la escena que mejor define esta película es la del reencuentro de la niñera con los hijos de los Banks 25 años después de haberlos cuidado. Ha venido a cuidar a los niños de los Banks, y de paso, a sus hijos. La película está pensada para aquellas generaciones que durante 55 años han crecido viendo la gran obra de toda una vida de Walt Disney, la original Mary Poppins por cuyos derechos peleó durante dos décadas con P.L.Travers. La hija de Walt fue quien descubrió las historias de la niñera mágica y la que metió a su padre en una carrera de fondo que se explica sin escatimar detalles en Saving Mr. Banks.

La secuela incorpora en su banda sonora referencias a las populares canciones de la primera entrega, pero hace nuevas todas las intervenciones musicales de la nueva película. Existe un continuo cuidado por mantener la simetría con la trama original, sustituyendo unas piezas por otras, en un sinfín de paralelismos que dan en general la sensación de pertenecer al mismo mundo a pesar de las enormes diferencias temporales y técnicas. La secuencia animada que tanto detestaba la escritora Travers ha sido homenajeada por una secuencia que imita el estilo original de trazos rápidos y efectos envolventes, aunque incorporando la dificultad del movimiento sobre la superficie de una sopera de porcelana.

Mary Poppins Returns compite por cuatro premios Oscar de este año, vestuario, diseño de producción, banda sonora y canción y aunque está lejos de las cinco estatuillas que arrancó Walt Disney a la producción de My Fair Lady en un año 1965 francamente británico, no desmerecen Emily Blunt y Lin-Manuel Miranda frente a la otra pareja musical de estos premios, Bradley Cooper y Lady Gaga por el remake enésimo de Ha Nacido una Estrella.

Aliphant DCCCXXIX Mary Poppins Returns

Especial 50º aniversario de Scooby-Doo

La primera viñeta del año recuerda una de las efemérides del mundo de la animación: el 50º aniversario de la serie Scooby-Doo.

En 1969, el estudio Hanna-Barbera lanzó uno de sus productos más famosos y longevos: Scooby Doo. La propuesta del detective cobarde que es incapaz de resolver sus casos estaba basada en los personajes de Bob Hope, aunque la particularidad de que el protagonista fuese un gran danés semi-antropomórfico que apenas farfulla el lenguaje humano tampoco le ayuda. A Scooby. Hope era británico.  

El diseño del perro debía reunir todos los defectos que se rechazarían en un buen ejemplar de pedigrí: mentón pequeño, patas y lomo arqueados y la actitud tampoco era la que cabía esperar en un perro de raza. El nombre procede de la jerigonza de Frank Sinatra en Strangers in the Night, en aquellos tramos de la canción en la que se le acababa u olvidaba el estribillo. Del dubi-dubi-du el salto tampoco es sorprendente, si bien su nombre “oficial” completo es Scoubert.

Aliphant DCCCXXVI 50º Aniversario de Scooby-Doo

Además de los episodios para televisión y cómics de Hanna-Barbera, a lo largo de este medio siglo se han producido varios largometrajes animados y de imagen real e incluso se han mezclado con otras franquicias. Sin duda el más peculiar es el crossover del episodio 16 de la 13ª temporada de Sobrenatural, donde la Scooby gang se unía a los hermanos Winchester en su lucha contra las fuerzas del mal. O algo así.  En Buffy, la tropa de la cazadora, era frecuentemente autodenominada Scooby gang, lo que pasó de un chiste fácil a una predicción cuando la cazavampiros Sarah-Michelle Gellar interpretó a Daphne y terminó casándose con Fred en la vida real. La naturaleza se abre camino, como dicen en Parque Jurásico…

L’Obsolescence Programmant le Peuple par Delacroix

Imagínese: París, 1830. Carlos X, el segundo hermano de Luis XVI que llegó a reinar en Francia quiso volver atrás en el tiempo y lograr una Francia grande otra vez, obviando la sangría de la Revolución francesa o las guerras napoleónicas que habían enfrentado a buena parte del mundo conocido en una contienda que afectó sobremanera a la población civil. La revuelta apenas duró tres días pero fue seguida a cierta distancia de seguridad por intelectuales como el escritor Victor Hugo o el pintor Eugène Delacroix. Como resultado de esta revuelta sin chalecos amarillos, Luis Felipe de Orleans sucedió a Carlos X hasta la siguiente revolución de 1848.

Delacroix, en línea con otros pintores románticos de su época supo despertar el alma patriótica de sus conciudadanos a través de sus cuadros cargados de simbolismo. El propio Hugo reconocía que, en su novela de Los Miserables, el cuadro de “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix había inspirado la creación del joven Gavroche. Mirando el cuadro original, puede además distinguirse tres bandas de color, un cielo azul intenso, un centro de humo blanco y personajes más iluminados como La Marianne y otros hombres armados y la montaña de cadáveres y ruinas de un tono rojizo que termina formando una bandera tricolor como la que enarbola la propia figura central, insignia al viento que, curiosamente, se muestra invertida y en el mismo orden que en la escena.

En esta parodia, “L’obsolescence programmant le peuple” recuerda que la obsolescencia programada condiciona a la población a un consumo innecesario y genera montañas de escombros electrónicos.

Aliphant DCCCXXV L’Obsolescence Programmant le Peuple par Delacroix

Rusalka

La adaptación del famoso cuento de La Sirenita de Andersen a la escena en 1989 por parte de Alan Menken, tuvo precursores menos amables como la del compositor checo Antonín Dvořák, que recurre a la temible bruja eslava Baba Yaya que vive en una minicasa móvil con patas de ave. El término Rusalka hace referencia a las ninfas acuáticas que habitan cualquier paraje con agua suficiente como para mantener su conexión con la naturaleza.

Estas ondinas eslavas tenían un fuerte vínculo con la luna, como Joseba el de Carglass, como se evoca en el aria más famosa de toda esta ópera, que la gran soprano americana Renée Fleming hizo suya con las mejores interpretaciones de esta trágica criatura, en el checo original.

Aliphant DCCCXXII Rusalka

Vinillo hawaiiano

Con los inertes ojos negros de un tiburón blanco, los muñecos de vinilo de Funko han devorado las estanterías de los comercios dedicados al coleccionismo de artículos relacionados con la cultura pop. 

A mediados de este año, las figuritas de esta empresa americana con acuerdos de explotación de imagen con la mayor parte de la industria audiovisual, superaban los 6.000 modelos diferentes, incluyendo variantes de ediciones limitadas de apenas unas decenas de unidades que superan el millar de euros, cuando el precio normal ronda los 15. Las versiones doradas de Willy Wonka o del recientemente desaparecido Stan Lee pueden superar los 10.000 euros por su rareza, entiéndase también por su pequeño número.

Otra fuente de ejemplares escasos es la producción para las convenciones de aficionados como las ComicCon, que son ofrecidos a los participantes a modo de cebo, una vez garantizada la dificultad de su adquisición.

Por extraña que parezca una referencia al cine, televisión, videojuegos o música, es bastante probable que ya exista un trozo de plástico para representarla en este mundo de muñecos cabezones.

Aliphant DCCCXX Vinillo Hawaiiano

RENT

Las hay atléticas y débiles; las hay fuertes, aunque casi siempre quieren omitir la obesidad, pero todas lo son. Feliz día de la Constitución.

La viñeta y calendario de Rent hace referencia a un musical ambientado en la Navidad, como su original de la ópera de Puccini, La Bohème. Jonathan Larson, el compositor y letrista, recreó los artistas y personajes bohemios de París del siglo XIX en Alphabet City, Manhattan, en la transición al siglo XXI y sustituyó la temible tuberculosis de Mimi en el no menos terrible HIV de nuestro tiempo.

El protagonismo pasa al director de cortos judío Mark Cohen, equivalente al pintor Marcello de La Bohème. Comparte piso con el cantante y compositor de rock Roger Davis, como el poeta Rodolfo original, y conoce a Mimí, una bailarina seropositiva que en un día de apagón se queda sin fuego para las velas.

Roger entona el vals de Musetta a la guitarra eléctrica, como guiño a Puccini, pero el centenar de canciones compuestas para el musical por Larson son fruto de un largo proceso que alternó durante nueve años con su trabajo como camarero mientras vivía en condiciones similares a las de sus personajes en el SoHo.

Un día antes del estreno de Rent en un teatro del Off Broadway, Larson falleció por un aneurisma en la aorta que fue erróneamente diagnosticado como estrés, cuando era resultado de un síndrome de Marfan que hubiera podido ser tratado y extender sus apenas 36 años de vida. Como homenaje póstumo, se le concedió el Pulitzer de Drama y tres premios Tony y Rent es considerado como uno de los mejores musicales de este tiempo.

Aliphant DCCXVI Rent

Ready Player One

Aliphant DCCXCIV Especial Pascua/Ready Player One
¿Puede Spielberg dirigir todavía una “película de Spielberg”? La respuesta está por supuesto en Ready Player One, y no es tan sencilla como pudiera parecer. Spielberg creó un subgénero juvenil de aventuras junto a George Lucas, Robert Zemeckis, John Hughes, Tim Burton o Jim Henson. Es por tanto un tipo de películas en los que el septuagenario se mueve a sus anchas, sin obviamente necesidad de consultar a nadie y el libro de Ernest Cline, Ready Player One era la excusa perfecta.

Ready Player One evoca un futuro demasiado cercano en el que la sociedad se esconde de la vida real en OASIS, un complejo de juegos de realidad virtual creado por un gran gurú al estilo Jobs. El gurú ha dejado tres pistas para legar el control de su utopía y como en tantos casos, es una carrera entre el bien y el mal y no hay premio para el que llegue segundo. Las pistas requieren revivir la época dorada del fundador, a lo que se suma encantada una nueva generación de post-millenials.

Y sin embargo, Spielberg huye de la egolatría como un gremlin de la luz intensa. En una película donde los huevos de pascua homenaje a la cultura de los 80 van por docenas, las referencias a las propia películas de Amblin han sido severamente limitadas. Y aunque Disney permitió que Starwars fuera mencionada, la saga galáctica corría el riesgo de llevarse demasiado protagonismo y la alusión al Halcón Milenario es lo único que parece haber quedado. No obstante, el material reastante sigue siendo enorme.

No todo es buscar huevos de Pascua, por más que se haya estrenado en Semana Santa. Spielberg usa el lenguaje cinematográfico que le hizo grande, siembra las pistas de forma cuidadosa antes de que sus tramas desemboquen en sus debidas conclusiones con la complicidad del espectador y crea las escenas necesarias de humor y tensión, de ingenio y peligro para atar todos los cabos antes del gran cierre explosivo de triunfo sobre el Mal con mayúsculas, como rige el subgénero.

Como las ondas de un vaso de agua nos anunciaban la presencia de un tiranosaurio, Ready Player One evoca una forma de hacer cine que entusiasmó a toda una generación y tal vez con ella misma a las siguientes.

Felices Pascuas

Aliphant's Ready Player One
Aliphant DCCXCIV Ready Player One

3 Anuncios en las Afueras de Ebbing, Missouri

La viñeta es un homenaje a Tres Anuncios en las Afueras de Ebbing Missouri, la película con el título para atragantar a los presentadores de los Óscars como El Secdleto de la Tlompeta lo fue para el jurado del Festival de Ratisbona. La original película protagonizada por una regia Frances McDormand, quien parece más bien Clint Eastwood con mono azul y bandana, pudo ser la ganadora del Óscar como lo fue del Globo de Oro, del BAFTA y casi todos los premios en los que competía con La Forma del Agua.

La popular aria The Last Rose of Summer de la ópera Martha de Friedrich Von Flotow interpretada por Renée Fleming  ambienta una de las secuencias más transcendentales de la película como ya consiguió la gran soprano americana cantando en élfico para otras secuencias del Señor de los Anillos.3 Anuncios

Aliphant DCCLXXVIII 3 Anuncios en las Afueras de Ebbing, Missouri

The Arrival

Cuando una película de ciencia ficción recibe ocho candidaturas al Óscar incluyendo Mejor Película, parece que es el momento de que la Academia recuerde que este género existe y prácticamente, desde la creación misma del cine, desde George Meliès y Segundo de Chomón. Pero es el año de La La Land, así que los heptápodos de ‘The Arrival’ pueden regresar a su planeta con los tentáculos vacíos.

 

Doce gajos de mandarina espaciales aparcan en zona verde. Pero la mandarina tiene bicho: unos pulpazos heptápodos que de buena tinta quieren comunicarse con Amy Adams, la mejor lingüista americana capaz de destripar todos los topicazos de su oficio, desde el mito de la etimología del canguro a la guerra en sánscrito. Así que Amy se enfunda su mejor bolsa de basura naranja y se enrola en la fantástica aventura de descifrar un lenguaje extraterrestre, más emparentado con la lectura de los posos de café que con las sutilezas del dothraki. La comparación con Stargate es inevitable, aunque la tarea del Dr. Daniel Jackson fuera tan solo de reconstruir las vocales de aquel dialecto del egipcio antiguo hablado por Ra.

 

Uno de los puntos fuertes del argumento es la radicalización de una teoría lingüística, de cómo llevar al extremo la hipótesis Shapir-Whorf, que establece que cada lengua condiciona la forma de pensar de cada individuo. Aunque a efectos prácticos todo puede expresarse en cualquier lengua humana, las herramientas son diferentes en cada idioma. Algunas lenguas dan especial importancia sobre los tiempos y la finalización de los actos.  Otras, resaltan de dónde procede la información, si se conoce de primera mano o a través de terceros. A la hora de obtener nuevos datos, las prioridades pueden variar debido a estos conceptos.

Lo que se resume a efectos cinematográficos en emoción a raudales con alguna explosión.

 

Sin candidatura a mejor vestuario, es posible que The Arrival haya llegado hasta donde podía, aunque suyo es el mérito de divulgar una de las teorías lingüísticas más interesantes.

 

Aliphant's The Arrival
Aliphant DCCXXXI Aliphant’s The Arrival

 

Miss Saigon

Si en una composición uno o varios helicópteros acompañan como un instrumento musical más a los violines, o se trata del  Helikopter-Streichquartett (Cuarteto para cuerdas y helicópteros) de Karlheinz Stockhausen o es una representación de Miss Saigon.

 

“Miss Saigon” es el segundo drama musical más exitoso de Claude-Michel  Schönberg, lo que no es decir poco, teniendo en cuenta que es el compositor de “Los Miserables”. Actualización escénica del argumento de la ópera de Puccini  Madama Butterfly, donde la Nagasaki de principios del siglo XX dio lugar al Saigón de finales de la guerra de Vietnam, y al contrario que la otra adaptación moderna famosa de una obra de Puccini que es “Rent” desde “La Bohème”, no hay uso alguno de los temas del maestro de Lucca.

 

Siguiendo el estilo de Schönberg, es decir, del propio Claude-Michel y no del dodecafónico Arnold, toda la trama se narra evitando recitativos y partes no cantadas y la presión de la escena recae sobre la pareja protagonista del drama Chris y Kim, aunque el personaje conocido como El Ingeniero lleva toda la carga cómica. La soprano filipina Lea Salonga, conocida como la cantante en versión original de Aladdin y Mulan, se adueñó del papel de Kim desde 1989 cuando contaba con la edad que tenía el personaje, apenas 17 años.

 

El tema principal de Chris, el soldado americano enamoradizo, “Why, God, Why?” se retoma en la famosa escena del segundo acto del helicóptero de la evacuación de Saigón, clímax de la separación ausente en la ópera, pero de gran impacto en el musical. Y allí es donde aterriza la viñeta de hoy.

 

Aliphant's Miss Saigon
Aliphant DCCXXX Aliphant’s Miss Saigon

La La Land

De haberse perseverado en la sílaba, el título hubiera servido de parque temático en conmemoración de las hazañas de Massiel, pero se conformaron con algo menos, y hablando de conformarse, hasta aquí habrá de leer el lector que evite conocer algo más de la trama, pues arduo es defender este argumento sin entrar en pormenores.

 

El arranque en clave flash-mob, esa entelequia audiovisual que trata de saciar las imperiosas necesidades de la población deseosa de cantar y bailar en grupo más allá de lo que permite la ducha o el camerino de su vehículo, lugares que posiblemente hagan más justicia a sus habilidades canoras por su privilegiada  acústica, pero no dan espacio suficiente a sus riendas coreográficas, es un guiño a una generación criada con musicales de Disney.

 

Pero el argumento, no poco denostado en estos días, tiene el acierto de contar lo que no ocurrirá, de narrar lo que podría haber sido y no fue, de cómo los intereses individuales acaban con  las relaciones porque, si bien perseguir los sueños tiene un alto precio, ¿cuál es el coste de renunciar a ellos? La La Land plantea esa irrealidad de las hipótesis no futuribles en clave musical, de La, posiblemente en una argamasa de canciones pegadizas, estereotipos reconocibles  y una puesta en escena donde la coreografía de la cámara es aún más complicada que la de los bailarines. La superficialidad en los musicales se presupone, como el valor en la Legión, salvo tal vez en los de Esther Williams que se mantenían entre dos aguas, pero es un lenguaje cinematográfico eficaz para transmitir emociones en lugar de eventos.

 

Apenas diez películas musicales han ganado el Óscar a mejor película en 88 ediciones. Algunas se llevaron hasta los asientos del auditorio, como West Side Story o  despertaron añoranza por el género, como Chicago, pero nunca se han apartado del todo de las carteleras. Con sus catorce candidaturas, se presenta la ocasión de ver si este autohomenaje, este selfie del cine clásico musical trasladado a nuestra era, es capaz de llenar la Ciudad de Estrellas.

Especial San Valentín 2017: La La Land
Aliphant DCCXXIX Especial San Valentín 2017: La La Land

Homenaje a José Luis López de Arteaga

Que se apague una vida como la del musicólogo José Luis Pérez de Arteaga es como ver arder una sección entera de la Gran Biblioteca de Alejandría. Pero no solo eran sus conocimientos musicales y su capacidad de hilvanar hechos y fechas en un discurso tan fluido y melodioso que no en pocas ocasiones superaba aquello que fuera a sonar a continuación lo que hacía de su longevo programa de radio “El Mundo de la Fonografía” un regalo para los sentidos. Era su entusiasmo inagotable por lo que estaba narrando, su voz juvenil de 66 años y el amor a su trabajo lo que hacen inconcebibles que ya no comentará el Concierto de Año Nuevo un año nuevo más o concluirá aquellos ciclos tremendos que sólo él podía acometer.

 

Pérez de Arteaga era un conocido amante del cine que, con todo el repertorio fonográfico en mente, eligió de cabecera para su programa el tema de Franz Waxman para la película Rebecca de Alfred Hitchcock, una sintonía que evocaba la radio de décadas atrás y una turbulenta historia donde la memoria cobra especial protagonismo.

 

Y eso sí, todo el mundo sabe que el concierto no ha terminado, desde Laponia hasta Burkina Fasso. Lo saben los consumidores de aciclovir, los fabricantes de tramadol y hasta los adeptos al ácido ibandrónico…

Homenaje a José Luis López de Arteaga en Rebecca
Aliphant DCCXXVIII Homenaje a José Luis López de Arteaga en Rebecca

Replicando

Cualquier serie que se precie debe saber dar una vuelta de tuerca que facilite la renovación de otra temporada. Cuando las vueltas son demasiado estrafalarias y evidencian la desesperación de los guionistas para no cambiar de empleo, se dice en el mundillo que se ha saltado el tiburón, por una escena de la quinta temporada de la sitcom americana Happy Days, donde el  protagonista que practica el esquí acuático debe superar un escualo que se hallaba en su trayectoria.

En tiempos más recientes, se usa la expresión “to nuke the fridge”, usar una bomba nuclear contra un frigorífico, en clara referencia a la cuarta entrega de Indiana Jones.

 

Aliphant ha saltado ya un tiburón hace unas cuantas viñetas y es cuestión de tiempo que sobreviva a la nube hongo, pero de momento el giro argumental es por necesidades del guion, valga la paradoja.

Replicando
Aliphant DCCXXVII Replicando

Lady Kathy McGatagall

La doble vertiente de la actriz e inventora austro-húngara  Hedy Lamarr ha sido motivo de inspiración para generaciones. Siendo parte del star system de Hollywood con el papel protagonista de la versión clásica de Sansón y Dalila – hizo de Dalila, si cabe alguna duda- tuvo su momento decisivo cuando su país de acogida, Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial. En lugar de vender bonos de guerra y visitar a las tropas, decidió que su mejor aportación al frente sería en el laboratorio, desarrollando sistemas de guiado por radio de los torpedos. En aquella época el miedo a que los canales de guiado fueran interceptados limitaba el uso remoto de este tipo de armamento naval. Lamarr desarrolló una aplicación de salto de frecuencia sincronizado que evitaba estos ataques y mejoraba la comunicación en caso de ruido a unas frecuencias determinadas. El sistema de modulación en frecuencia sigue usándose hoy en día en blutooth  y comunicaciones inalámbricas, por lo que la aportación de una de las mujeres más bellas del Hollywood dorado que durante años figuró en las portadas de las cajas de CorelDraw, sigue en vigor.

 

En la viñeta de hoy entra en juego una actriz de amplio recorrido, mezcla del espíritu de Lamarr y de otra exitosa actriz de mayor fortuna con los medios.

Aliphant DCCVII Lady Kathy Mc Gatagall
Aliphant DCCVII Lady Kathy Mc Gatagall

Especial Pilar 2016

La confrontación canora de las jotas de picadillo resuelve con mucho humor y no menos ingenio el duelo entre dos cantantes.
Siguiendo la tradición de las viñetas de Aliphant, la jota de esta viñeta atiende al universal dilema de la capacidad de multitarea y la serialización de operaciones.
Felices pilares.

Aliphant DCCVI Especial Pilar 2016

Continuará…

Por extraordinaria que sea la capacidad de una película de sumergirnos en el universo creado por sus artífices, la duración finita hace concluir la experiencia y cerrar el vínculo con los espectadores de una forma abrupta. Las secuelas, lejos de favorecer la perpetuación de las tramas e historias, crean en su mayoría la sensación de que nunca debió de extenderse la narración más allá de la primera entrega. Y sin embargo, el público se siente en la necesidad de continuar aquello que le ha divertido o distraído, porque una nueva realidad se construye a partir de cada ficción.

Las series televisivas como fenómeno audiovisual han ido adquiriendo unos niveles de calidad y presupuesto que superan con

Aliphant DCCV continuará....
Aliphant DCCV continuará….

creces muchas de las producciones cinematográficas, aunque son derrotadas a su vez por las producciones de videojuegos. Las series permiten que sus personajes evolucionen o desplieguen todo su potencial en las más diversas situaciones. No en vano, el show debe continuar y mientras haya público, habrá guionistas capaces de darle una nueva vuelta de tuerca a cada episodio. Las series clásicas fueron homenajeadas hace unas cuantas viñetas, pero ahora, llega el momento de tratar, tal vez con un tono más de parodia, las producciones que llenan ahora las pantallas.

Las series mencionadas por la comandante Aypbee son las víctimas de esta nueva trama aliphantiana.

Continuará….